"Time". No sé quién soy, no sé quién eres...

Con imágenes verdaderamente impactantes de cirugía facial, Kim Ki-duk nos sumerge en un universo donde el tiempo no importa, todo es un bucle, por mucho que quieras dejar de ser tú, al final es contigo mismo con quien te vuelves a encontrar, porque aunque estemos hartos de escuchar el tópico de que el físico no es lo importante, Kim Ki-duk nos lo recuerda en esta enrevesada pero interesante historia donde pareces perder la pista de los personajes, de dudar si son ellos o no...

Las secuencias de la isla donde el amor y las locuras de éste quedan plasmadas en forma de esculturas embrujan y hechizan al espectador (Para curiosos: Parque de esculturas Baemigumi en la isla de Mo, Corea del Sur). Me han venido recuerdos del Hitchcock de "Recuerda", valga la redundancia, donde Gregory Peck se mueve entre decorados diseñados por Dalí.

Quizá la película de este director surcoreano (al menos de las que yo he visto) que sabes con más seguridad que no dejará indiferente a nadie. Para verla de nuevo y sacarle más jugo. Un 7 sobre 10.

"El camino a casa". Se hace camino al amar.

"Wo de fu qin mu qin" o su título en español "El camino a casa" es otra gran película del director chino Zhang Yimou ("La casa de las dagas voladoras", "Hero", entre otras...). Grande por su fotografía, grande por la inteligente utilización del color para el tiempo pasado y del blanco y negro para el tiempo presente como anunciando que cualquier tiempo pasado fue mejor y grande por hacer de una sencilla y bonita historia algo hermoso sin caer en el cursilismo o pastelismo.

Un camino adondequiera que vaya o de dondequiera que venga puede dejar huella en el caminante y, éste a su vez, en el camino. Éste, en concreto, vaya si deja huella en la protagonista que tantas veces lo recorrió, recorre y recorrerá para oír la voz de su amado o incluso para esperar su regreso.

La historia está contada en off por el hijo de ambos, el cual vuelve al pueblo tras la muerte de su padre con la intención de ofrecerle un digno funeral.

La sencillez de los planos concuerdan a la perfección con la sencillez de la historia. Una película sobre el amor y el respeto a un marido y a un padre tanto en vida como tras su muerte. Un 7 sobre 10.

"El arco". La Mowgli coreana.

Lo que no hay lugar a duda es que a Kim Ki-duk no le gusta la palabra, salvo en su "Arirang" (también comentada en este blog) donde es precisamente la palabra, su propia palabra, la protagonista de la película. En "El arco" no hay prácticamente diálogo, como viene siendo costumbre de este director surcoreano. De hecho la he visto en versión original sin subtítulos y puedo asegurar que no me he perdido nada de la historia. No quisiera imaginarme un hipotético trabajo conjunto de Kim Ki-duk y Woody Allen. Acabarían hospitalizados en un psiquiátrico.

Es la historia de un anciano que vive en un barco con una joven que rescató hace tiempo. Viven en medio del mar, como si de una pequeña isla se tratara. En el barco da cobijo esporádico a otros pescadores para que lo utilicen como muelle y pesquen en el centro de la inmensidad marina. El anciano protege a la muchacha de todo pescador que trata de propasarse con ella, pero esa protección no es más que un signo de posesión y envidia. Su único arma es un arco, hecho por él mismo y que, a la vez, lo utiliza como instrumento musical y como objeto con poderes adivinatorios. 

El único contacto con la civilización de la muchacha sucede cuando entre un grupo de pescadores llega un joven escuchando música en su mp3. Ella, inmediatamente, se enamora de él. (Hasta aquí puedo escribir)...

Kim Ki-duk sabe que contar historias es más imagen que palabra y en eso, en la imagen, es un poeta. Todas sus películas tienen su dosis poética con moraleja incluida. No estamos hablando de su mejor film, ni mucho menos, pero sí de un buen producto. Un 6 sobre 10

"Drei". Tres, three, trois, hiru...

La introducción de la película en la que a través del recorrido de un tendido eléctrico se definen las relaciones interpersonales hacen prever que se trata de una cinta merecedora de ser vista.

La propiedad transitiva dice que si A se acuesta con B y B lo hace con C, A se acuesta con C. Pues ese viene siendo el argumento de la película. Solo que aquí A y B son una pareja (heterosexual) ya establecida como tal aunque un tanto extraña. A conoce a C (otro hombre) y poco a poco va enamorándose de él hasta acabar en postura vertical y horizontal. El cuarto protagonista de la película es el capricho del destino que hace que B y C se conozcan en una piscina. Es en los vestuarios de la misma donde B empieza a descubrir su lado homosexual y donde empiezan a dar rienda suelta a sus deseos. A partir de aquí comienzas a preguntarte cómo leches acabará esto. Si mal, si bien, si eso es lo bueno o eso es lo malo.

De Tom Tykwer, ya me gustó su "Corre Lola corre", me gustó aún más su "La princesa y el guerrero", también "Winter sleepers", su capítulo de "Paris je t'aime" y, más comerciales, pero no por eso de baja calidad sino todo lo contrario "El perfume" y "The International", esta última su único film "made in USA". Lo que no cabe duda es que es un director que sabe mover la cámara y la sabe dejar quietita cuando debe hacerlo. Con más "altis" que "bajos" en su filmografía se trata de un director que hay que tener en cuenta si de verdad te gusta el cine. Un 7 sobre 10.

"Arirang". ¡Kim Ki-duk, levántate y dirige!.

Película extraña en la que Kim Ki-duk se graba, se pregunta y se responde a sí mismo utilizando la cámara a modo de espejo y, al mismo tiempo, de escaparate. Nos ofrece un autoretrato sobre su autodestrucción y su aislamiento debido, al parecer, por un suceso ocurrido durante el rodaje de "Dream" en el que casi muere una de las actrices. Se siente culpable y considera que hacer una película no es un "todo vale"...

Parece que quiera de esta manera despejar a su público y, sólo a su público, todas las dudas surgidas sobre la hibernación vacía de producto teniendo en cuenta que en tan sólo doce años han sido quince las películas suyas que han visto la luz y que, varias de ellas, también han iluminado. Fue en 2011, tres años después del estreno de "Dream" cuando decidió hacer este ejercicio de autoconfesión.  Los que lo seguimos y/o admiramos esperamos que no se trate más que una etapa de barbecho para que se levante más fuerte y vuelva a ser, al menos, el que era.

Peca un poco de egocentrismo ya que no se olvida de recordar al público los premios y reconocimientos que algunas de sus producciones han recibido a nivel internacional, a los cuales está profundamente agradecido ya que gracias a ellos empezó a ser reconocido en su Corea del Sur natal. No obstante es un ejercicio documental (o drama, como él lo llama) que sorprende en forma y en contenido. No duda en llorar si tiene que hacerlo así como en reirse de sí mismo, del despojo en el que se ha convertido. Tiene un inmenso temor a no poder ver la luz al final del túnel y defraudar a su público. Para los que duden o, simplemente desconozcan su filmografía, les recomiendo que cojan "Samaritan girl" o, sobretodo, "Hierro 3" y disfruten del potencial cinematográfico de este director surcoreano. Sólo apta para los que lo conocen. Un 6'5 sobre 10.

"Mirror mirror". Espejito espejito, valga la redundancia.

Una nueva versión del clásico "Blancanieves y los siete enanitos" de los Hermanos Grimm. El cuento como tal ya es archiconocido por todos, aunque en esta cinta se nos cuenta con alguna variación, desde el minuto uno sabemos que serán felices y comerán perdices. 

Quizás sea la película del indio Tarsem Singh que menos me ha gustado, pero el potencial visual que nos ofrece en la pantalla es merecedora de ser vista. Con una escenografía y un vestuario altamente cuidados, Singh nos traslada el cuento a la gran pantalla siguiendo fielmente su estilo, empeñado mucho más en el continente que en el contenido.

Los personajes principales son una Blancanieves de pobladas cejas pero de cara dulce, interpretada por Lily Collins, una reina temible y malvada a la par que guapa encarnada en la piel de la siempre bella Julia Roberts, un apuesto y torpe príncipe (Armie Hammer, -"J.Edgar") y siete "altos" enanos que son los encargados de poner la nota más cómica de la película.

Lo más extraño y chocante, pero desde mi punto de vista acertado, es el momento final con coreografía bollywoodiense. Singh ha querido hacer de esta manera un homenaje al cine de su país natal, lo cual no es reprochable porque visualmente tiene cabida en el film y porque visualmente también pocos pueden ponerse a la altura de Tarsem Singh. Un 5'5 sobre 10.

"Somewhere". No somos lo que tenemos sino lo que damos.

Sofia Copolla se la vuelve a jugar con una película de ritmo lento, escasos movimientos de cámara pero de lectura profunda y premiada con el León de Oro en Venecia en 2010. Tal y como demostró con "Lost in translation" aquí también nos ofrece la vacía vida de una estrella, en este caso de cine, que lo tiene todo, éxito profesional, éxito esporádico con las mujeres, un cochazo, mucho dinero y, lo que es mejor, una hija. Es precisamente la aparición de su hija, la que hace que se llegue a plantear lo vacía que es su vida y la necesidad que tiene de dar un giro de 180 grados. Uno no es lo que tiene sino lo que da y lo que podría dar si llevase otro estilo de vida.

Stephen Dorff interpreta a Johnny Marco, esa estrella de cine aparentemente feliz pero colmado de infelicidad. Con su interpretación consigue dar lástima, sobretodo cuando ejerce el papel de un padre con una buena y sana pero escasa relación con su hija. Consigue, a su vez, caer bien al espectador. Su notable interpretación baila entre lo cómico y lo dramático pero en justa armonía.

A Sofia Copolla le reprocharía la utilización sin mucho sentido de planos de extrema duración, de una duración no muy justificada, porque no generan tensión, ni drama, ni angustia, sino rabia e incredulidad. Eso se lo dejaremos a Haneke y al británico Steve McQueen. A su favor decir que a través de la simplicidad narrativa y técnica nos muestra una vez más la complejidad de la condición humana y la duda que nos llega en cierto momento de la vida sobre si subir al tren que llega y pasa o no. Un 5'5 sobre 10.

"Juana de Arco de Luc Besson". Oigo una voz.

Una película que, evidentemente, no desvela nada nuevo sobre la figura de Juana de Arco pero que la lleva a la gran pantalla con algunos altibajos, al menos, en cuanto a intensidad se refiere. Las batallas cuerpo a cuerpo están muy logradas y muy bien captadas por una cámara que se convierte en un soldado más del batallón. Se ve sangre, bastante, pero su presencia está más que justificada por lo que supuso la Guerra de los Cien Años.

Tenía ciertos prejuicios sobre que fuera Mila Jovovich la que se metiera en la piel de esta francesa del siglo XV tan creyente, tan visionaria, tan sufrida, tan valiente y tan "iluminada", pero he de reconocer que hace un papel bastante notable entre un elenco de actores (hombres casi todos ellos, excepto Faye Dunaway en un papel corto pero intenso) de la talla de Dustin Hoffman, John Malkovich o un todavía jovenzuelo Vincent Cassel. Me gustó en "El quinto elemento" y me ha gustado también en "Juana de Arco"...Los asomos de una modelo al mundo del cine siempre se miran con más lupa y, a mi parecer, Jovovich ha sabido desfilar en el cine tan bien como lo ha hecho en la pasarela.

Tratándose de una película del director de "Leon, el profesional", el francés Luc Besson, me esperaba algo más, justo lo contrario que me ocurrió con "León", que me esperaba algo menos y me encontré con algo grande, muy grande, de lo más grande.

Lo mejor, el ejercicio de Besson con la cámara, así como la fotografía y la puesta en escena de las batallas. Un 6 sobre 10.

"Ed Wood". A positivar...

Catalogado como el peor director de todos los tiempos; no Tim Burton, sino Ed Wood, pasó a convertirse, tras su muerte, en un director de culto de serie B. Lo único que podría salvar sus producciones era la creencia en sí mismo y su amistad con Bela Lugosi, el "Drácula" de Tod Browning, al que ofreció el papel protagonista en sus películas. Pero ni aun así consiguió hacer ninguna cinta digna de destacar. Me atrevo a añadir que se hizo mundialmente conocido a raíz de que Tim Burton decidiera llevar a la gran pantalla los andares de este peculiar director.

Bien dirigida y mejor interpretada, sobretodo por un Martin Landau en el papel de Bela Lugosi, es una película con buena dosis de humor que entretiene y que ha llegado a convertirse en la película de Tim Burton más de culto.

En cuanto a las interpretaciones, Martin Landau quita cierto protagonismo a un Johnny Depp en el papel de Ed Wood. No quiero ofender a los admiradores de Depp, pero creo que es uno de esos casos de endiosamiento que se hace a algunas estrellas del cine, que una vez te pones a examinar su carrera y su filmografía, te preguntas ¿por qué?. Siendo el actor fetiche de Tim Burton, Depp ha protagonizado siete cintas de Burton: Eduardo Manostijeras, Ed Wood, Sleepy Hollow, Charlie y la fábrica de chocolate, Sweeney Todd: el barbero diabólico de la calle Fleet, Alicia en el País de las Maravillas y Sombras tenebrosas, creo que es Johnny Depp el que debería estar más agradecido a Burton y no lo contrario. Al fin y al cabo es Tim Burton el que se ha convertido en un director de culto, sobretodo en el de animación y en el género fantástico. Habrá quien lo encumbre y habrá quien lo critique; yo, simplemente, afirmo que me parece uno de los directores con mayor imaginación y que hay producciones de él que me han hecho vibrar (especialmente las de animación) y otras que no tanto. Ed Wood, en concreto, me ha parecido una cinta mucho más que correcta que debe hacer gala de ese cine de culto que es. 

Junto a Landau y a Depp, nos encontramos con una Sarah Jessica Parker, que nada tiene que ver con la de Sexo en Nueva York, con Patricia Arquette y un Bill Murray en un pequeño papel pero siempre excelente.

¿Recomendable?. Yo creo que sí, al menos si quieres ser director de cine, sirve de manual de cómo no debes hacer una película. Lo mejor: la interpretación de Martin Landau, la fotografía y ciertos momentos llenos de comicidad. Lo peor: el encumbramiento de un Johnny Depp cuyas interpretaciones son correctas pero que, a mi parecer, no dicen nada más allá de la corrección. Un 6 sobre 10.

"300". Ajú, Ajú, Ajú. Sangre, gritos y tabletas de chocolate.

De Frank Miller, creador de "Sin city", llegó dos años más tarde la cinta del cómic "300". Una película de un guión flojo, una voz en off que chirría a pesar de ser muy ronca y unos cuerpos esculturales que rozan la irrealidad; pero en su favor diré que a nivel estético, visual y de efectos es deslumbrante.

Como vengo diciendo en opiniones anteriores, una película tiene muchos aspectos que pueden hacer de ella digna de ser admirada o rechazada. En este caso, lo que la salva a mis ojos es eso, la vista y el disfrute de una estética y unas coreografías que te hacen vibrar y que pocas veces he visto en la gran pantalla. Además, no siendo mi caso, es un escaparate de cuerpos, algo así como 300, con sus respectivas tabletas de chocolate a la altura del vientre que crees que no existen más que en los anuncios de calzoncillos y colonias masculinas.

En cuanto a la historia no es más que la puesta en escena de la batalla de las Termópilas en la que el rey Leónidas (Gerard Butler) y 300 soldados espartanos se enfrentaron en defensa de Grecia a los persas cuyo ejército era inmensamente superior, al menos en número. La condición de tipo duro del rey Leónidas acaba provocando risas en lugar de seriedad.

En fin, ¿si me ha gsutado?. Pues sí, porque a veces es mejor dejar que la mente duerma y sacar los ojos a pasear y ¿qué mejor que "300" para llevar a cabo tales acciones?. Un 7 sobre 10.

"Fast food nation". Ya lo sabíamos pero...

En la estructura piramidal en la que se basa el sistema empresarial, el que se encuentra muy cerca del vértice superior no tiene ni la más remota idea del trabajo y las condiciones laborales de la gente que trabaja en lo más bajo de esa pirámide y que, paradójicamente, son la base de la empresa, los soldados rasos, los peones, los currelas.

Que los Estados Unidos de América son la cuna de la comida rápida y, por lo tanto, de la comida basura, ya lo sabíamos. Quizás toda la cadena y sus "mafias" que va desde los ganados hasta que te sirven en bandeja de plástico la hamburguesa en cualquier restaurante "fast food", pasa más desapercibido a las mentes de los clientes que, gustosamente, dan el primer mordisco a esa masa cárnica de dudosa producción y procedencia.

Es una película que perfectamente se podría haber convertido en un documental pero para eso ya está "Supersize me", así que aquí nos topamos con actores de la talla de Greg Kinnear, Ethan Hawke, Patricia Arquette, Catalina Sandino Moreno ("María llena eres de gracia"...) y breves apariciones de Bruce Willis y Kris Kristoferson.

Una película coral que expone, de manera algo tremendista, al menos eso espero, todo el proceso encadenado de la hamburguesa. Bien hecha y bien contada por parte del director de "Antes del amanecer" y "Antes del atardecer". Un 6'5 sobre 10.

"Immortals". No creo en dioses, creo en Tarsem Singh.

Desde que ví "Terminator 2" no pensaba que fuera a ver efectos especiales tan alucinantes como los que vi en esa cinta de James Cameron. Evidentemente estaba equivocado, luego aparecieron "Matrix", "El Señor de los anillos", "Kung Fu Sion", "La casa de las dagas voladoras", "Tigre y Dragón" y, con Tarsem Singh, director de "La celda", "The Fall: El sueño de Alexandria", "Immortals" y "Mirror Mirror", accedemos a otra dimensión de los efectos visuales. Su cine es, ante todo, visual. Y es que este director indio, antes de debutar en el cine con "La celda" junto a Jennifer López, ha sido director de vídeos musicales y de anuncios comerciales, muchos de ellos premiados (Nike, Pepsi, Nissan...). De esta manera no es de extrañar que sus películas tengan un ritmo y un montaje trepidante así como unos efectos que hacen que tus ojos salten de alegría.

Concretamente "Immortals" es poesía visual. Una película más de dioses y hombres, de mitología, de batallas cuerpo a cuerpo que merece ser vista por la estética, las coreografías y, sobre todo, por los efectos. No es cine de culto, pero, aunque una película de este tipo es difícil catalogarla de autor, en mi opinión lo es. Cine de Tarsem Singh. Es quizás la película donde queda más que justificado que haya sido rodada en 3D. No la he visto en este sistema tan de moda, pero me la he imaginado y debe ser espectacular.

A nivel interpretativo nos encontramos con un Mickey Rourke que hace tiempo que perdió el sex appeal de "Nueve semanas y media" o "El corazón del ángel" pero que sigue en activo y dando, a veces, grandes frutos como "Sin city" o "El luchador"; junto a él nos encontramos al poco conocido cuerpazo llamado Henry Cavill en el papel protagonista de Teseo, a una guapa Freida Pinto ("Slumdog millionaire", "Conocerás al hombre de tus sueños"...) que se come la cámara con sus apariciones, a un John Hurt ("Alien el octavo pasajero", "El expreso de medianoche" -entre más de sus cien películas-) siempre notable y a un Stephen Dorf al que le había perdido la pista.

Si queréis pasar un rato alucinando con lo que estáis viendo, repito, viendo, es muy recomendable. Si queréis ver una película que te haga pensar, reír, llorar..., quizás no sea la más adecuada. Un 7 sobre 10.

"La pesca del salmón en Yemen". Hallström a contracorriente.

Como en otras de las muchas películas del sueco Lasse Hallström ("Chocolat", "Las normas de la casa de la sidra", "Querido John"...), ésta trata de la posibilidad de un amor imposible entre dos personas que no pertenecen al mismo mundo y de caracteres bien diferenciados. Aquí lo maquilla demasiado con una historia demasiado enrevesada y con un proyecto, a priori, muy costoso de llevar a cabo; quizás tan costoso como una posible relación sentimental entre los dos protagonistas.

El personaje de Ewan McGregor sufre una transformación desde los dos tercios de la película hasta el final poco creíble. Al principio se nos muestra un personaje extraño y un tanto "friki" pero luego, de repente, su enamoramiento de la otra protagonista de la historia (Emily Blunt), lo convierte en un ser blando y algo ñoño. Lo mejor es la interpretación de Kristin Scott Thomas como jefa de prensa del gobierno inglés; esta actriz nunca falla y hace que una interpretación suya sume puntos a la calificación final del film.

Una historia con un final tan previsible que ni siquiera los giros argumentales consiguen que esperemos una sorpresa. Se deja ver pero no aporta nada más que dos horas de típico entretenimiento. Señor Hallström, afine un poco más en futuros proyectos por favor y gracias por "¿A quién ama Gilbert Grape?", "Chocolat" y "Las normas de la casa de la sidra". Un 5 sobre 10.

"J.Edgar". Eastwood VS Di Caprio.

Clint Eastwood y Leonardo Di Caprio se baten en duelo en este biopic sobre el primer director del FBI, John Edgar Hoover; uno en la dirección y el otro interpretando a J.Edgar. Aunque Eastwood sigue dando grandes frutos a sus más de 80 años, la interpretación de Di Caprio consigue eclipsarlo. Desde tiempos del Titanic, este actor al que ya le queda poco de su cara juvenil, ha trabajado con grandes cineastas de la talla de Scorsese (en cuatro ocasiones), Spielberg, Riddley Scott, Danny Boyle y, en breve, con Tarantino. Eso no es casualidad. No, no y no. No exagero si en esta interpretación me ha recordado al Marlon Brando de "El Padrino". Si alguna vez Di Caprio se ha preguntado cual será su imagen de anciano, gracias al trabajo de maquillaje, se puede hacer una ligera idea. Está realmente muy conseguido.

La película en sí es una buena película que nos cuenta cómo un hombre cobarde pero con cierto carisma puede llegar a convertirse en uno de los personajes más temidos y poderosos de la historia de los Estados Unidos, y es que información es poder y si esa información es secreta sobre diferentes personalidades, más poder todavía. A pesar de su homosexualidad, nunca llegó a abrir las puertas del armario, es más, estuvo a punto de caer en el error de un matrimonio heterosexual, simplemente supo saciar su deseo teniendo a su lado a su fiel compañero y amigo (también homosexual) Clyde Tolson (Armie Hammer), por cierto un papel más que notabble. En el reparto también aparece una siempre acertada Naomi Watts pero su interpretación no va más allá de la pura discreción.

Respecto a Clint Eastwood parece que siga en la flor de la vida. A mi parecer en esta película su trabajo es digno de ser aplaudido, pero da la sensación que todo lo que haga tiene que estar bien hecho. Pues no, y eso también me ocurre con grandes cineastas como Spielberg o Woody Allen que, sin ánimo de echar sus carreras por los suelos, también son los que firman algunos bodrios tales como "Amistad", "Minority Report", "El sueño de Casandra", "Vicky Cristina Barcelona" o, en el caso de Eastwood, "Más allá de la vida". Pero bueno, no seré yo quien los crucifique ni mucho menos, simplemente sé perdonar, más cuando este Harry Callahan de carne y hueso nos ha brindado grandes obras como "Mystic river", "Million Dollar Baby" o "Los puentes de Madison" entre otras muchas.

Definitivamente es un film con el que se disfruta, bien sea por la interpretación de Di Caprio en particular, bien sea por la dirección de Clint Eastwood, bien por la fotografía, bien por el maquillaje o bien por todo esto combinado en una coctelera cuyo resultado es muy notable. Un 7'5 sobre 10

"La prima cosa bella". Cine a la italiana.

Una película a la italiana. Anna es madre de dos niños, Bruno y Valeria y está casada con un hombre que no la merece. En 1971 es coronada como la mamá más bella en un balneario de Livorno. Un hecho que podría perecer simpático en un primer momento se convierte en el punto de partida de la desestructuración de una familia. Aunque Anna (Micaela Ramazzotti) es la protagonista de la historia, así como del título de la misma y hace un papel más que correcto, el actor que interpreta a su hijo Bruno, Valerio Mastandre, merece más reconocimiento. Es el que pone la nota más cómica en la película.

Un film que habla del reencuentro y reconciliación de una familia, que aunque nadie soporta a nadie, al fin y al cabo se quieren como familia que son. 

Del director, Paolo Virzi, marido en la vida real de Micaela Ramazzotti, decir que es notable, sabe en qué momento debe dotar a la película de comicidad, de drama o de amor (a una madre). 

En definitiva se trata de una película amable de ver pero que no dejará marca en la memoria de un espectador notable. Un 6 sobre 10.

"Das boot". El submarino.

Wolfgang Petersen firma esta obra maestra del cine bélico que le supuso el trampolín hasta la meca hollywoodiense. Quizás habría sido mejor que se hubiera quedado en la entonces República Federal Alemana y pudiera seguir haciendo películas de calidad como "Das boot" o "La historia interminable", casualmente sus dos últimas películas de nacionalidad alemana. Si hubiera hecho eso nos habría ahorrado una película perfectamente prescindible como la vomitiva americanada "Air force one". ¿Por qué un arte tan bonito como el cine tiene que contar en sus bases de datos con algo como este bodrio yanki?.

Dejando de lado los vaivenes cualitativos en la filmografía de Petersen, hay que señalar que "Das boot" es una gran película antibelicista que te coge de la mano y hace que te sumerjas con todos y cada uno de los tripulantes del submarino nazi. Eso es lo que tiene el cine, que te identifiques con unos personajes que en la vida real repudiarías, pero es que Petersen consigue que nos olvidemos de a quienes representan y cuál es su oficio. Es cierto que ninguno de ellos parece tener una ideología muy marcada, son soldados al cargo de un régimen pero huyen de los saludos y simbologías nazis. Más que ir a una guerra parece que se embarquen en una batalla contra sí mismos para demostrar hasta donde es capaz de llegar el ser humano para sobrevivir. Meterse en un submarino ya tiene, de por sí, cierta dosis de atrevimiento, pero hacerlo en una guerra que parece que no vaya a acabar bien (al menos para ellos) no tiene nombre. Más que una película bélica es una película sobre el alcance del ser humano.

Digno de mención es el trabajo de la cámara, que se desplaza a lo más largo que ancho del escenario como si fuera un tripulante más y del sonido, que hace que te sobresaltes en varios momentos del film. Consiguió seis nominaciones a los Oscars y no se llevó ninguno, pero es que hace 30 años no era muy común que una película extranjera fuera nominada a no ser que se tratara de mejor film de habla no inglesa. En lo que a los Oscar se refiere me guío más por las nominaciones que por los ganadores, que no siempre son los merecedores. Si esta película la hubiera firmado un tal James Cameron, otro gallo cantaría.

No apta para claustrofóbicos pero muy apta para cinéfilos. Tres hurras por Petersen. Hurra, hurra, hurra!!!. Un 8 sobre 10.

"Young adult". Jugando a no madurar.

Charlize Theron interpreta a Mavis Gary, una escritora recién divorciada que decide volver a su pueblo natal para recuperar un antiguo novio del instituto o por lo que ella llama por un asunto inmobiliario. Aunque es una escritora que en cierto momento tuvo un cierto éxito con novelas para adolescentes, ahora no está pasando por su mejor momento, ni personal ni laboralmente; es como si haciendo una comparación con los personajes y público de sus novelas haya decidido tirar el ancla y quedarse para siempre en la piel de aquella joven de instituto. Su forma de vestir, de actuar, de hablar y de tratar a los hombres son más propias de una adolescente que de una mujer que ronda los cuarenta. No hay nada que reprochar a Theron. Su cara atrapa y su interpretación encandila. Esta guapa sudafricana puede hacer de mujer fatal, de prostituta, de ladrona o de detective que siempre agrada a los ojos y a las mentes cinéfilas.

De las tres películas de Jason Reitman (director) que he visto ha sido la que menos me ha gustado; se encuentra por detrás de "Up in the air" y muy por detrás de "Juno". No obstante también ha sabido dotar a este film de un ritmo inteligente con momentos interesantes. Al igual que en Juno nos muestra a una adolescente que debe jugar el papel de madre, aquí nos ofrece a una mujer que quiere seguir jugando el papel de adolescente. Un 6 sobre 10.

"Un dios salvaje". Una salvaje comedia.

Dos jóvenes, una disputa, unos padres, dos matrimonios, una estancia, una botella de buen whisky, una caja de puros...estos son los ingredientes de la última película de Roman Polanski, una adaptación de la homónima obra teatral de Yasmina Reza.

Cuando te atreves a hacer una película con tales elementos, los cuatro personajes deben estar interpretados por actores y actrices de talla. En esta ocasión Polanski ha sabido escogerlos. Jodie Foster (sobran referencias), Kate Winslet ("Olvídate de mí", "El lector"...), John C. Reilly ("Cyrus", "Magnolia"...) y Cristoph Waltz ("Malditos bastardos") interpretan como si estuvieran jugando una partida de parchís. Cada uno sabe cuando le toca jugar y, según el momento, a quién debe atacar.

Aunque se supone que están en Nueva York, la película ha sido rodada en Europa. Es sabido por todos que las puertas estadounidenses están cerradas para el señor Polanski; pero nadie dice que no pueda trasladar su historia donde quiera.

A raíz de una pelea protagonizada por los hijos de ambos matrimonios (Foster-C.Reilly y Winslet-Waltz), en un intento por aclarar las cosas, en lugar de ello se van torciendo cada vez más dando lugar a momentos verdaderamente hilarantes. De un granito de arena...

Dejando por sentado que los cuatro hacen un gran trabajo, me quedo con la interpretación de John C.Reilly; me gusta este actor que ha pasado de ser un secundario bastante habitual a ganar mucho más peso en el cine con papeles principales. Winslet y Foster me gustan sobre todo a medida que va aumentando su ebriedad en la historia. Waltz, menos conocido, pero también a la altura de los otros tres. La música de Alexander Desplat ("El escritor", "El árbol de la vida", "El discurso del rey"...) también merece cierto reconocimiento.

En definitiva, para tratarse de una película rodada en una única estancia de interior y con únicamente cuatro personajes, Polanski ha sabido dotarla de equilibrio, tanto a nivel de dirección de actores como a nivel de planificación. Pocas veces falla este pedazo de director de casi ochenta años. Un 7,5 sobre 10.

"El concierto". Pequeño aprendiz de Kusturica.

Andreï Filipov (Alksei Guskov) fue destituido como director de orquesta del célebre Bolchoi al negarse a despedir a los músicos judíos, justo cuando era considerado el mejor director de la Unión Soviética. Treinta años después la vida le brinda una segunda oportunidad, y es que siendo el hombre de la limpieza del mismo Bolchoi, es más fácil que se te presente esa oportunidad, y si no pues se presenta él a ella. Las oportunidades más que presentarse se buscan.

Un melodrama camuflado en una comedia algo estrambótica. Tiene momentos verdaderamente graciosos, sobretodo los encarnados en la piel del manager de la orquesta. Un humor algo estrafalario que quiere y no puede acercarse al desorden ordenado de Kusturica.

De Radu Mihaileanu, director francés de origen rumano, me gustó mucho más "El tren de la vida". Lo mejor de "El concierto", además de ciertos momentos hilarantes, es la música, la dirección y Mélanie Laurent, a la que también vimos en "Malditos bastardos", no sólo por su interpretación, sino porque llena con su aparición los cuatro costados de la pantalla.

En definitiva, es una sátira política que se deja ver, que la verás hasta los títulos de crédito y que te gustará haber visto aunque en pocos días la archives en tu memoria con tanta gloria como pena. Un 6 sobre 10.

IRRE3V3RSIBL3. Estremece o enriquece.

Una película difícil de recomendar y que ello no implique poner en peligro tu integridad física.

Estremece, perturba, altera y produce un choque de sensaciones difícil de describir. Gaspar Noé (en la dirección) se atreve provocando en el espectador un cúmulo de sobresaltos. Un atrevimiento que a nivel cinematográfico es de agradecer pero que a nivel anímico destruye.

A nivel narrativo, según se mire, comienza como acaba o acaba como comienza. Al fin y al cabo eso no es lo importante, aquí es la cámara la protagonista, sin quitar mérito a sus tres protagonistas de carne y hueso (Monica Bellucci, Vincent Cassel y Albert Dupontel). Gaspar Noé es capaz de mostrarnos la historia con planos incesantemente en movimiento como con planos fijos y de duración extrema para provocar en nosotros una confusión que ayuda a la agitación personal. 

Sobretodo son dos las secuencias no aptas para todos los públicos, no por la edad sino por la capacidad de aguante. Una es de un asesinato a sangre fría con un extintor y la otra es de una violación. Nunca he visto en cine una violación tan angustiosamente real como aquí. Da igual ver a Monica Bellucci desnuda, lo único que quieres es apartar la vista de la pantalla aunque no lo hagas. Somos morbosos por naturaleza, nos gusta el sufrimiento visual que nos trastoca el alma y el corazón...Por mucho que apartes la mirada, hay una banda sonora que es tanto o más angustiosa que la imagen. Estamos atrapados. Suerte que la historia está contada al revés. La última secuencia es la primera que se nos ofrece y la primera es la última.

Como reza la frase final de la película: "El tiempo lo destruye todo", conforme avanza el metraje el sístole y diástole van decelerando hasta llegar al principio de la historia y es, entonces, cuando te haces una idea de conjunto del film y eres capaz de agradecer que se nos cuente al revés. Es en ese momento cuando te alegras de haber subido a una montaña rusa por muy mal que lo hayas pasado pero, sobretodo te alegras de haber bajado de ella. Un 7,5 sobre 10.