25 de julio de 2012

"Corre, Lola, corre". Ritmo, ritmo, ritmo.

El segundo largo de Tom Tykwer y, posiblemente, por el que comenzó a ser conocido este director alemán, no deja indiferente al espectador. Puede que haya quien piense que es chirriante y desquiciante, pero también habrá quien la considere una película casi de culto. 

Si algo tiene esta cinta es un ritmo frenético que no dejaría echar la siesta al más dormilón. Es como si se tratara de un videoclip de hora y cuarto, donde las imágenes van más rápido, si cabe, que la música electrónica. Se podría dividir en tres actos, cada uno de ellos siguiendo el mismo hilo argumental pero cambiando las consecuencias, como si Lola y su novio pudieran echar marcha atrás y elegir la opción que hará que salgan exitosos de la situación en la que se ven envueltos. Él necesita 100.000 marcos para saldar una deuda y ella no deja de correr a la vez que va improvisando de dónde sacarlos.

Si el "Efecto mariposa" dice que "el simple aleteo de una mariposa puede provocar un tsunami al otro lado del mundo", en "Corre, Lola, corre" nos demuestra que una pequeña alteración en el desarrollo de un día, puede tener enormes consecuencias, incluso marcar la diferencia entre la vida y la muerte. Y de eso trata esta película. Es un tema que ya hemos visto en otras películas como "Dos vidas en un instante" y "El efecto mariposa" entre otras..., pero en esta cinta alemana es donde, de una manera más directa, se nos muestra que aún cruzándote con las mismas personas en ese mismo día, todo depende de un solo movimiento en falso, un giro inesperado o un repentino pensamiento para que cambie el guión. 

Una Franka Potente, en el papel de Lola, marcando un estilismo agresivo (pelo rojo, tez pálida, pantalones verdes y una camiseta gris de tirantes) y un montaje trepidante hacen de esta cinta un producto indispensable del cine de los noventa, aquél en el que la narratividad, la estética y el ritmo de las imágenes comenzaron a alcanzar otra dimensión. Un 7'5 sobre 10.

22 de julio de 2012

"Heaven". La cámara toca el cielo.

Con guión de Krzysztof Kieslowski ("Tres colores: Azul, Blanco y Rojo", "La doble vida de Veronica"...) y de su guionista habitual Krzysztof Piesiewicz, Tom Tykwer ("El perfume", "La princesa y el guerrero", "Tres"...), toma las riendas de la dirección de una película si no sobresaliente sí notable.

Pocos directores mueven la cámara como él, pocos encuadran como él y pocos hacen un uso tan inteligente de la grúa como Tykwer. Planos espectaculares. Atención especial al plano del tren en el túnel. Ya lo demostró en su anterior "La princesa y el guerrero" y lo ha seguido haciendo hasta su última "Tres".

Cate Blanchett es una gran actriz, pero es en esta cinta alemana donde más me ha gustado. Los gestos de sufrimiento al enterarse de que es la causante de la muerte de cuatro personas son grandiosos. Le acompaña en pantalla un Giovanni Ribisi ("Lost in translation", "Avatar", o el hermano atontadillo de Phoebe en "Friends"...) de poco gesto en la cara pero que aun así llega a transmitir todos sus sentimientos: amor, ayuda, culpa...

Una película sobre cómo el amor puede unir a dos personas por el simple hecho de estar en el lugar y momento adecuado, aunque ese lugar sea una sala de interrogatorio y ese momento sea el propio interrogatorio a Philippa (Blanchett). Un final simbólico. ¿El amor está en el aire?. ¿Cuanto más alto podré volar?. Un 7'5 sobre 10.

21 de julio de 2012

"Exótico Hotel Marigold". ¿Exótico?. ¿Éxito?.


Un elenco de grandes actores y actrices desperdiciado por un flojo guión que no busca nada más allá del mero entretenimiento. Con una Judi Dench y un Tom Wilkinson notables a la cabeza de un gran reparto, es curioso que tratándose de una película británica, sea Dev Patel, el indio protagonista de "Slumdog Milionaire", el actor que mejores momentos aporta a la historia.

¿El resto?, pues eso, una comedia entretenida que, acercándose un poco a la temática de "Cocoon", no le llega ni a la suela de los zapatos. Tampoco es que aquella fuera una obra maestra, pero si es de esas películas a las que guardas cierto cariño y añoranza. Lo siento señor Madden, pero no, ha querido hacer algo tierno y simpático y le ha salido un garabato. Un 4'5 sobre 10.

16 de julio de 2012

"Viaje a Darjeeling". Tres hermanos y un destino.

Adrien Brody, Owen Wilson y Jason Schwartzman interpretan a Francis, Peter y Jack, los tres hermanos protagonistas de esta comedia de Wes Anderson. Tres hermanos que lo único que tienen en común es la sangre y el viaje en el que embarcan tras la muerte de su padre. Aunque el viaje no sale cómo ellos esperaban, sí que les sirve para unirse como tres piezas de un rompecabezas muy difícil de encajar.

A pesar de que esta cinta no está a la altura de "Los Tenembaums" ni de "Life aquatic", se vuelve a notar el sello de Anderson tanto en el continente como en el contenido. El tono amarillo, naranja y azul de los escenarios es característico del cine de Wes Anderson, así como la construcción de los personajes y los conflictos familiares que construyen el guión. Contando con un prólogo en forma de cortometraje titulado "Hotel Chevalier" interpretado por Jason Schwartzman y por Natalie Portman, tanto el corto como el largo se pueden ver de manera independiente sin necesitarse el uno al otro.

Una road movie entretenida, con sus buenos y malos momentos, pero que se deja ver y, más aun, si eres seguidor de este director de Houston que, casi nunca, deja indiferente al espectador. Un 6 sobre 10.

15 de julio de 2012

"Martha Marcy May Marlene". Hitchcock + Haneke.

Sin duda alguna uno de los mejores debuts cinematográficos del año. Sean Durkin se presenta al que será su público con una película ambientalmente inquietante. La sobriedad en el manejo de la cámara donde cada zoom, travelling o panorámica empiezan y terminan en el mejor de los encuadres (encuadres atípicos pero realistas), contribuye a crear una sensación de desasosiego muy similar al cine de Haneke, especialmente al de "Funny games". También vienen a la mente recuerdos sobre la película "Canino" del griego Giorgos Lanthimos (comentada en este blog). Hace unas cuantas décadas era Hitchcock el que sabía mover la cámara como si manejara tus propios ojos. Se nota que Durkin ha mamado cine y se ha quedado con lo mejor.

Si a un buen guión y a una buena técnica se le añade unas buenas interpretaciones, el resultado es una cinta que consigue hipnotizarte de principio a fin. Elizabeth Olsen (hermana de las gemelas Olsen de "Padres forzosos") hace una brillante interpretación trasmitiéndonos la inestabilidad emocional de su personaje. Un personaje que después de haber ingresado en una especie de comuna o secta donde de alguna manera viven algo más asalvajados, utilizando el temor como arma y sin apenas contacto con el mundo civilizado, decide escapar y volver a casa de su hermana. El montaje de esta película cobra un gran protagonismo pasando de un tiempo pasado (en esa comuna) a un tiempo presente (en casa de su hermana) de una manera tan sutil como inteligente. El final abierto que se nos presenta consigue que no nos desprendamos del film con facilidad. En esto, Sir Alfred Hitchcock, también era un genio.

Una nueva joya del cine independiente estadounidense recomendable a los seguidores de Haneke y Hitchcock y a los amantes de los thrillers psicológicos. ¡Un aplauso para Sean Durkin y su puesta de largo!. Un 7'5 sobre 10.

12 de julio de 2012

"Una mujer, una pistola y una tienda de fideos chinos". "Sangle" fácil.

¿Quién diría a los hermanos Coen, que tras 25 años del estreno de su ópera prima -quizá una de las mejores óperas primas del cine contemporáneo-, Zhang Yimou, un director chino de renombre, iba a hacer un remake de su "Sangre fácil"?.

Pero no es un remake al uso. Mientras que la "coeniana" era cine negro, un thriller brillante que acabó por convertirse en cine de culto, la de Yimou es un cinta oriental con un humor absurdo e infantil cuyos personajes, aunque a veces acertados, te hacen caer en el aburrimiento.

Tratándose de un film de Yimou, se echa de menos abundantes efectos especiales del tipo de "La casa de las dagas voladoras" y "Hero". Salvando la fotografía, los decorados y tres momentos visualmente brillantes, el resto no hace nada por sumar números a un film extrañamente recomendable. Un 5'5 sobre 10.

"El clan de los irlandeses". Penn y Oldman en "estado de gracia".

A pesar de contar con un elenco de actorazos de la altura de Sean Penn, Gary Oldman y Ed Harris (todavía hoy siguen dando grandes frutos); a pesar de tratarse de una película de mafia, a pesar de la música de Ennio Morricone, a pesar de una buena fotografía y, a pesar de las expectativas que me había creado, erperaba algo más de esta película de Phil Joanou; seguramente la culpa no la tendrá ni el director ni la película, sino mis propias expectativas.

No obstante es una buena película sobre un grupo de irlandeses que, habiendo creado su propia "familia", deambulan por las calles delinquiendo y matando personas como quien masca chicle después de fumarse un cigarro. Tiene alguna referencia a "El Padrino", no sé si consciente o inconscientemente, pero la tiene. En ciertos momentos también evoca a "The Goodfellas -Uno de los nuestros-". 

Si el personaje de Gary Oldman, que aunque trabaje con genialidad, carga un poco bastante, el de Ed Harris no me lo acabo de creer como capo de ese clan, quizá le falte dureza en el rostro. Quien sí  borda su actuación elevándola al notable alto es un jovencito Sean Penn en el papel de Terry Noonan. Es de los pocos actores que es bueno desde que empezó y va mejorando con los años.

Desconozco si se había barajado la posibilidad que otro director asumiera la realización del proyecto, pero es evidente que Phil Joanou, habiendo podido estar entre los grandes del género habida cuenta de los ingredientes con los que contaba, no pasará a la historia como un gran realiador. Quizá debería echar la vista atrás y recordar lo bien que lo hizo en el documental sobre U2, "Rattle and hum". Quizá sea eso, que se le dé mejor el cine documental. Un 6'5 sobre 10.

11 de julio de 2012

"Academia Rushmore". Comedia algo diferente.

Quizá la película más floja de Wes Anderson, al menos de las disfrutadas por mí. Tal vez porque sólo era su segundo largometraje y, hasta hoy, lleva siete. Ha ido puliéndose película tras película.

Aunque en este film también hay mucho personaje, es el principal, el joven Max Fisher sobre el que recae toda la historia. Un Max Fisher interpretado por Jason Schwartzman (sobrino de Coppola e hijo de Talia Shire, la Connie Corleone de "El Padrino" o la Adrian de "Rocky"). Es cierto que, a pesar de su juventud (sólo contaba con 17 primaveras), es capaz de cargar con el guión a la espalda y ponerse a la altura de actorazos como el asiduo de Wes Anderson, Bill Murray.

Un alumno, Max, y el benefactor del colegio, el señor Blume (Bill Murray) se enamoran de la misma mujer, Miss Cross (Olivia Williams), profesora del colegio; uno por la novedad que supone el enamoramiento con 15 años y, el otro, porque su matrimonio hace tiempo que se fue al garete. A partir de ahí van surgiendo divertidos momentos. Este sería a grandes rasgos el telón de fondo de un drama convertido elegantemente en comedia. Un 6 sobre 10.

"Los Tenembaums". Peculiar familia.

Otro disparate del genial Wes Anderson. Según por donde se mire "disparate" podría ir a favor o en contra de la película. En mi caso es un genial disparate.

Si algo caracteriza a Anderson es la construcción de los personajes, unos personajes que, además de ser muchos, hacen sombra al guión y están limados hasta el límite. Cada uno tiene su peculiaridad y su protagonismo en la historia. Es de ese cine que si te gusta no quieres perderte ni un segundo del metraje. Mucho detalle en menos de dos horas.

La foto adjuntada me permite evitar hablar de los actores y actrices, considero que, salvo los niños, sobran las presentaciones. Mencionar especialmente el trabajo del grandísimo Gene Hackman. A pesar de que la comedia no sea su fuerte, teniendo en cuenta su filmografía, creo que anda varios escalones por encima del resto de intérpretes. Hace un papel que parece estar hecho a su medida, a su imagen y semejanza y, de hecho, se llevó algun premio por ello. Excelente.

El comienzo de la película, con esa presentación tan minuciosa de los personajes, recuerda un poco a la francesa "Amelie" de Jean-Pierre Jeunet. Casualmente ambas producciones son del mismo año, así que evitaremos especulaciones.

La banda sonora es otro plato fuerte en las películas de Wes Anderson y en ésta, no iba a ser menos. Divertida película aunque algunos puedan opinar totalmente lo contrario. Si te apetece ver un film que se sale de los moldes tradicionales de comedia, quizá sea ésta la película que andas buscando. Un 7'5 sobre 10.

10 de julio de 2012

"Hero" ("Ying Xiong"). Versos coloridos.

Si de algo se caracteriza el cine asiático es de su poesía visual y, posiblemente, uno de sus mejores poetas sea el chino Zhang Yimou. Si ya nos sorprendió y enriqueció Ang Lee con su "Tigre y dragón", Yimou le sigue o le pasa de muy cerca con su "Hero", una historia sobre los reinados chinos antes de su unificación. 

Independientemente de un argumento que pueda interesar más o menos atendiendo al perfil del espectador, se trata de un producto merecedor de ser disfrutado por cualquier persona merecedora de disfrutarlo. Yimou nos ofrece toda la gama de colores posibles casada a la perfección con unos efectos especiales asombrosos, una fotografía espectacular, unas batallas coreografiadas al milímetro y unos escenarios, naturales casi todos, bellos hasta decir "basta".

No me cansaré de decir que el cine asiático es una joya que, a pesar de ser para todo tipo de espectadores, es una minoría la que realmente lo sabe apreciar; minoría si la comparamos con el consumo masivo de productos "u.es.ei" comerciales que, como su nombre indica, tienen como único objetivo la recaudación. 

No es de extrañar que Zhang Yimou nos volviera a sorprender dos años más tarde con su cinta más conocida: "La casa de las dagas voladoras".

Si eres de los que piensa que cada película tiene su momento, no dudes ni un segundo en gozar de esta película un día de esos que dices: "me apetece ver una gran película". Un 7'5 sobre 10.

8 de julio de 2012

"Fantástico Mr.Fox". Fantástico Sr.Anderson.

Wes Anderson y Noah Baumbach repiten binomio, tras "The life aquatic with Steve Zissou", en el guión de "Fantástico Mr.Fox" sobre la novela "El superzorro" de Roald Dahl.

Una película de animación stop-motion que narra la historia de un astuto zorro, Mr.Fox, que tras enterarse de la noticia de que va a ser padre, decide abandonar el mundo de los robos de gallinas y demás animales de granja. Pero esa decisión parece no ser definitiva. Como fábula que es, entretiene, hace pensar y, sobretodo, enseña.

Aunque quizá una cinta de animación no ayuda demasiado a catalogar a un director de cine convencional, si ya has visto algo de Wes Anderson, apreciarás su sello...El tono de los diálogos, los planos que van moviéndose de manera frontal enseñando poco a poco los escenarios, el color de su fotografía, la utilización de la palabra "taco" en sustitución de cualquier taco real, consiguiendo así que los mayores lo pillen y los niños no escuchen el taco. "Me taco en la mar" es sólo un ejemplo de varios. Aunque fue "Up" la cinta que se alzó con la estatuilla a la mejor película de animación, no significa que "Fantástico Mr.Fox" sea menor, simplemente es distinta y no cuenta con el sello Pixar/Disney. Sobra decir que "Up" también me emocionó.

Una película de niños para mayores o una película de mayores para niños. Para mayores y para niños, lo dejaremos ahí. Personajes memorables, gags divertidísimos, ritmo de vértigo, música brillante de Alexander Desplat ("El discruso del rey", "El árbol de la vida", "El escritor"...) obligan al espectador a disfrutar como un enano. Una película de "taco" madre. Un 8 sobre 10.

"Les Lyonnais". El hampa lionesa.

Otra gran película del cine galo. Olivier Marchal dirige con maestría esta cinta que cuenta la historia de Los Lioneses, una banda criminal que llevó a cabo numerosos atracos en la Francia de los años setenta. Bajo las órdenes de Edmond Vidal "Momon", ya retirado del mundo de la delincuencia, el grupo debe reunirse de nuevo para sacar de prisión a su amigo y casi hermano Serge.

Con un montaje inteligente que nos enseña la preparación y ejecución del plan, también se nos narra la historia de este grupo desde su origen, como ya lo hiciera Coppola en la segunda parte de "El padrino"; de hecho si de algo peca esta película es de las numerosas referencias y/u homenajes que se le hace a la trilogía de Los Corleone. Hay una línea muy fina entre lo que puede ser un homenaje bien hecho o un abuso de los clichés de "El padrino". "Les Lyonnais" es una gran obra, pero quizás sería más grande si Coppola no hubiera llevado a cabo la producción de su trilogía.

Familia, amistad, traición, chivatos, torturas, sangre fría, asesinatos, lealtad, deslealtad, etc...son los ingredientes del cine negro, del cine de gangsters, pero es cierto que, al estar acostumbrados a historias del hampa de Chicago, Nueva York, Sicilia, Nápoles,...es lo que hace de este film, no un film único sobre la mafia francesa, pero sí, al menos, distinto.

Con un montaje que roza la vertiginosidad, una fotografía muy lograda y unas interpretaciones a la misma altura, esta cinta de Olivier Marchal debe ser disfrutada por los amantes del buen cine, en concreto del cine negro. Recomendable sin temor a reprimendas. Un 7'5 sobre 10.

"Los infieles". Ingrata sorpresa.

La sociedad Bercot-Cavallé-Courtès-Dujardin-Hazanavicius-Lartigau-Lellouche no funciona o no ha funcionado. Salvando algunos momentos sinceramente graciosos, la película como tal no va más allá del mero entretenimiento. Un proyecto con tanta cabeza pensante pocas veces funciona.

Varios capítulos de la vida de dos amigos que hacen gala de la infidelidad allí por donde pasan. Parece mentira que dos personas que acaban de salir exitosos de la gala de los últimos Oscars con "The artist", Hazanavicius como director y Dujardin como actor, se hayan embarcado en un proyecto tan falto de calidad como éste. Ni sé ni quiero saber los resultados de taquilla de este tubo francés, pero imagino que de no haber sido por el previo éxito de "The artist" no se habría comido ni un torrado. Para los buenos resultados en cuanto a calidad que está ofreciendo el cine francés en los últimos años, ésta en cuestión es la cinta que más me ha defraudado. Sí, los protagonistas son atractivos y se comen la cámara; pero además de eso y de alguna que otra carcajada no hay más. Un 4 sobre 10.

3 de julio de 2012

"The life aquatic with Steve Zissou". Color, color, color.


Wes Anderson ("Los Tenenbaums", "Fantástico Mr.Fox", "Moonrise kingdom"...) firma el guión y la dirección de esta película llena de color, de un color casi irreal. Noah Baumbach (director y guonista de "The squid and the whale: una historia de Brooklyn", también comentada en este blog) es también coguionista de esta hilarante y tan extraña película como interesante.

Fantástico Bill Murray sobre el que sobra poner referencias filmográficas, aunque quisiera añadir que a pesar de saltar a la fama por ser el cabeza pensante de "Los Cazafantasmas", luego le llegaron papeles mucho más interesantes, algunos de ellos dramáticos y, otros, todo lo contrario; para el que dude de las dotes interpretativas de este actor les aconsejo que vean "Lost in translation" de Sofia Coppola o "Flores rotas" de Jim Jarmusch. Aunque la comedia siempre ha sido su fuerte ("Atrapado en el tiempo", "Vaya par de idiotas", las que son a mi parecer sus mejores comedias), creo que ha demostrado con creces que es capaz de hacer lo que le echen y, además, salir muy airoso de la experiencia.

Cuando una idea es difícil de transmitir con palabras, más difícil es aún hacer una película sobre ella; y es aquí donde Wes Anderson, cargado de confianza, constancia y perseverancia se embarca en una aventura para que esa idea quede plasmada en el celuloide con un resultado mucho más que interesante. Aunque es claramente una comedia, es muy difícil de catalogar en el inmenso abanico que abarca dicho género; es transgresora, excéntrica y extravagante, es atrevida e hilarante y, con esos calificativos sumados se convierte en una asombrosa película de estética sin igual.

Si a tu mejor amigo se lo come una bestia marina de dudosa existencia en una expedición submarina y decides organizar otra expedición para encontrar al animal y matarlo como venganza debes llamarte Steve Zissou, porque dudo que otro ser racional sea capaz de montar la que monta Zissou (papel interpretado por Bill Murray). Junto a Murray y, casi siempre por debajo en cuanto a peso interpretativo, nos encontramos con un reparto de lujo: Anjelica Huston, Willem Dafoe, Owen Wilson, Cate Blanchet y un actor que siempre me ha gustado y le había perdido la pista, Jeff Goldblum.

Inteligente utilización de la banda sonora que cuenta con temas originales de David Bowie o versioneados por un brasileño de la tripulación con la única compañía de su guitarra. Una decisión con un resultado sorprendente.

Incatalogable pero atrevida cinta que cala en la vista y el oído del espectador. Un 7'5 sobre 10.

30 de junio de 2012

"Time". No sé quién soy, no sé quién eres...

Con imágenes verdaderamente impactantes de cirugía facial, Kim Ki-duk nos sumerge en un universo donde el tiempo no importa, todo es un bucle, por mucho que quieras dejar de ser tú, al final es contigo mismo con quien te vuelves a encontrar, porque aunque estemos hartos de escuchar el tópico de que el físico no es lo importante, Kim Ki-duk nos lo recuerda en esta enrevesada pero interesante historia donde pareces perder la pista de los personajes, de dudar si son ellos o no...

Las secuencias de la isla donde el amor y las locuras de éste quedan plasmadas en forma de esculturas embrujan y hechizan al espectador (Para curiosos: Parque de esculturas Baemigumi en la isla de Mo, Corea del Sur). Me han venido recuerdos del Hitchcock de "Recuerda", valga la redundancia, donde Gregory Peck se mueve entre decorados diseñados por Dalí.

Quizá la película de este director surcoreano (al menos de las que yo he visto) que sabes con más seguridad que no dejará indiferente a nadie. Para verla de nuevo y sacarle más jugo. Un 7 sobre 10.

"El camino a casa". Se hace camino al amar.

"Wo de fu qin mu qin" o su título en español "El camino a casa" es otra gran película del director chino Zhang Yimou ("La casa de las dagas voladoras", "Hero", entre otras...). Grande por su fotografía, grande por la inteligente utilización del color para el tiempo pasado y del blanco y negro para el tiempo presente como anunciando que cualquier tiempo pasado fue mejor y grande por hacer de una sencilla y bonita historia algo hermoso sin caer en el cursilismo o pastelismo.

Un camino adondequiera que vaya o de dondequiera que venga puede dejar huella en el caminante y, éste a su vez, en el camino. Éste, en concreto, vaya si deja huella en la protagonista que tantas veces lo recorrió, recorre y recorrerá para oír la voz de su amado o incluso para esperar su regreso.

La historia está contada en off por el hijo de ambos, el cual vuelve al pueblo tras la muerte de su padre con la intención de ofrecerle un digno funeral.

La sencillez de los planos concuerdan a la perfección con la sencillez de la historia. Una película sobre el amor y el respeto a un marido y a un padre tanto en vida como tras su muerte. Un 7 sobre 10.

23 de junio de 2012

"El arco". La Mowgli coreana.

Lo que no hay lugar a duda es que a Kim Ki-duk no le gusta la palabra, salvo en su "Arirang" (también comentada en este blog) donde es precisamente la palabra, su propia palabra, la protagonista de la película. En "El arco" no hay prácticamente diálogo, como viene siendo costumbre de este director surcoreano. De hecho la he visto en versión original sin subtítulos y puedo asegurar que no me he perdido nada de la historia. No quisiera imaginarme un hipotético trabajo conjunto de Kim Ki-duk y Woody Allen. Acabarían hospitalizados en un psiquiátrico.

Es la historia de un anciano que vive en un barco con una joven que rescató hace tiempo. Viven en medio del mar, como si de una pequeña isla se tratara. En el barco da cobijo esporádico a otros pescadores para que lo utilicen como muelle y pesquen en el centro de la inmensidad marina. El anciano protege a la muchacha de todo pescador que trata de propasarse con ella, pero esa protección no es más que un signo de posesión y envidia. Su único arma es un arco, hecho por él mismo y que, a la vez, lo utiliza como instrumento musical y como objeto con poderes adivinatorios. 

El único contacto con la civilización de la muchacha sucede cuando entre un grupo de pescadores llega un joven escuchando música en su mp3. Ella, inmediatamente, se enamora de él. (Hasta aquí puedo escribir)...

Kim Ki-duk sabe que contar historias es más imagen que palabra y en eso, en la imagen, es un poeta. Todas sus películas tienen su dosis poética con moraleja incluida. No estamos hablando de su mejor film, ni mucho menos, pero sí de un buen producto. Un 6 sobre 10

21 de junio de 2012

"Drei". Tres, three, trois, hiru...

La introducción de la película en la que a través del recorrido de un tendido eléctrico se definen las relaciones interpersonales hacen prever que se trata de una cinta merecedora de ser vista.

La propiedad transitiva dice que si A se acuesta con B y B lo hace con C, A se acuesta con C. Pues ese viene siendo el argumento de la película. Solo que aquí A y B son una pareja (heterosexual) ya establecida como tal aunque un tanto extraña. A conoce a C (otro hombre) y poco a poco va enamorándose de él hasta acabar en postura vertical y horizontal. El cuarto protagonista de la película es el capricho del destino que hace que B y C se conozcan en una piscina. Es en los vestuarios de la misma donde B empieza a descubrir su lado homosexual y donde empiezan a dar rienda suelta a sus deseos. A partir de aquí comienzas a preguntarte cómo leches acabará esto. Si mal, si bien, si eso es lo bueno o eso es lo malo.

De Tom Tykwer, ya me gustó su "Corre Lola corre", me gustó aún más su "La princesa y el guerrero", también "Winter sleepers", su capítulo de "Paris je t'aime" y, más comerciales, pero no por eso de baja calidad sino todo lo contrario "El perfume" y "The International", esta última su único film "made in USA". Lo que no cabe duda es que es un director que sabe mover la cámara y la sabe dejar quietita cuando debe hacerlo. Con más "altis" que "bajos" en su filmografía se trata de un director que hay que tener en cuenta si de verdad te gusta el cine. Un 7 sobre 10.

17 de junio de 2012

"Arirang". ¡Kim Ki-duk, levántate y dirige!.

Película extraña en la que Kim Ki-duk se graba, se pregunta y se responde a sí mismo utilizando la cámara a modo de espejo y, al mismo tiempo, de escaparate. Nos ofrece un autoretrato sobre su autodestrucción y su aislamiento debido, al parecer, por un suceso ocurrido durante el rodaje de "Dream" en el que casi muere una de las actrices. Se siente culpable y considera que hacer una película no es un "todo vale"...

Parece que quiera de esta manera despejar a su público y, sólo a su público, todas las dudas surgidas sobre la hibernación vacía de producto teniendo en cuenta que en tan sólo doce años han sido quince las películas suyas que han visto la luz y que, varias de ellas, también han iluminado. Fue en 2011, tres años después del estreno de "Dream" cuando decidió hacer este ejercicio de autoconfesión.  Los que lo seguimos y/o admiramos esperamos que no se trate más que una etapa de barbecho para que se levante más fuerte y vuelva a ser, al menos, el que era.

Peca un poco de egocentrismo ya que no se olvida de recordar al público los premios y reconocimientos que algunas de sus producciones han recibido a nivel internacional, a los cuales está profundamente agradecido ya que gracias a ellos empezó a ser reconocido en su Corea del Sur natal. No obstante es un ejercicio documental (o drama, como él lo llama) que sorprende en forma y en contenido. No duda en llorar si tiene que hacerlo así como en reirse de sí mismo, del despojo en el que se ha convertido. Tiene un inmenso temor a no poder ver la luz al final del túnel y defraudar a su público. Para los que duden o, simplemente desconozcan su filmografía, les recomiendo que cojan "Samaritan girl" o, sobretodo, "Hierro 3" y disfruten del potencial cinematográfico de este director surcoreano. Sólo apta para los que lo conocen. Un 6'5 sobre 10.

11 de junio de 2012

"Mirror mirror". Espejito espejito, valga la redundancia.


Una nueva versión del clásico "Blancanieves y los siete enanitos" de los Hermanos Grimm. El cuento como tal ya es archiconocido por todos, aunque en esta cinta se nos cuenta con alguna variación, desde el minuto uno sabemos que serán felices y comerán perdices. 

Quizás sea la película del indio Tarsem Singh que menos me ha gustado, pero el potencial visual que nos ofrece en la pantalla es merecedora de ser vista. Con una escenografía y un vestuario altamente cuidados, Singh nos traslada el cuento a la gran pantalla siguiendo fielmente su estilo, empeñado mucho más en el continente que en el contenido.

Los personajes principales son una Blancanieves de pobladas cejas pero de cara dulce, interpretada por Lily Collins, una reina temible y malvada a la par que guapa encarnada en la piel de la siempre bella Julia Roberts, un apuesto y torpe príncipe (Armie Hammer, -"J.Edgar") y siete "altos" enanos que son los encargados de poner la nota más cómica de la película.

Lo más extraño y chocante, pero desde mi punto de vista acertado, es el momento final con coreografía bollywoodiense. Singh ha querido hacer de esta manera un homenaje al cine de su país natal, lo cual no es reprochable porque visualmente tiene cabida en el film y porque visualmente también pocos pueden ponerse a la altura de Tarsem Singh. Un 5'5 sobre 10.

9 de junio de 2012

"Somewhere". No somos lo que tenemos sino lo que damos.

Sofia Copolla se la vuelve a jugar con una película de ritmo lento, escasos movimientos de cámara pero de lectura profunda y premiada con el León de Oro en Venecia en 2010. Tal y como demostró con "Lost in translation" aquí también nos ofrece la vacía vida de una estrella, en este caso de cine, que lo tiene todo, éxito profesional, éxito esporádico con las mujeres, un cochazo, mucho dinero y, lo que es mejor, una hija. Es precisamente la aparición de su hija, la que hace que se llegue a plantear lo vacía que es su vida y la necesidad que tiene de dar un giro de 180 grados. Uno no es lo que tiene sino lo que da y lo que podría dar si llevase otro estilo de vida.

Stephen Dorff interpreta a Johnny Marco, esa estrella de cine aparentemente feliz pero colmado de infelicidad. Con su interpretación consigue dar lástima, sobretodo cuando ejerce el papel de un padre con una buena y sana pero escasa relación con su hija. Consigue, a su vez, caer bien al espectador. Su notable interpretación baila entre lo cómico y lo dramático pero en justa armonía.

A Sofia Copolla le reprocharía la utilización sin mucho sentido de planos de extrema duración, de una duración no muy justificada, porque no generan tensión, ni drama, ni angustia, sino rabia e incredulidad. Eso se lo dejaremos a Haneke y al británico Steve McQueen. A su favor decir que a través de la simplicidad narrativa y técnica nos muestra una vez más la complejidad de la condición humana y la duda que nos llega en cierto momento de la vida sobre si subir al tren que llega y pasa o no. Un 5'5 sobre 10.

"Juana de Arco de Luc Besson". Oigo una voz.

Una película que, evidentemente, no desvela nada nuevo sobre la figura de Juana de Arco pero que la lleva a la gran pantalla con algunos altibajos, al menos, en cuanto a intensidad se refiere. Las batallas cuerpo a cuerpo están muy logradas y muy bien captadas por una cámara que se convierte en un soldado más del batallón. Se ve sangre, bastante, pero su presencia está más que justificada por lo que supuso la Guerra de los Cien Años.

Tenía ciertos prejuicios sobre que fuera Mila Jovovich la que se metiera en la piel de esta francesa del siglo XV tan creyente, tan visionaria, tan sufrida, tan valiente y tan "iluminada", pero he de reconocer que hace un papel bastante notable entre un elenco de actores (hombres casi todos ellos, excepto Faye Dunaway en un papel corto pero intenso) de la talla de Dustin Hoffman, John Malkovich o un todavía jovenzuelo Vincent Cassel. Me gustó en "El quinto elemento" y me ha gustado también en "Juana de Arco"...Los asomos de una modelo al mundo del cine siempre se miran con más lupa y, a mi parecer, Jovovich ha sabido desfilar en el cine tan bien como lo ha hecho en la pasarela.

Tratándose de una película del director de "Leon, el profesional", el francés Luc Besson, me esperaba algo más, justo lo contrario que me ocurrió con "León", que me esperaba algo menos y me encontré con algo grande, muy grande, de lo más grande.

Lo mejor, el ejercicio de Besson con la cámara, así como la fotografía y la puesta en escena de las batallas. Un 6 sobre 10.

6 de junio de 2012

"Ed Wood". A positivar...

Catalogado como el peor director de todos los tiempos; no Tim Burton, sino Ed Wood, pasó a convertirse, tras su muerte, en un director de culto de serie B. Lo único que podría salvar sus producciones era la creencia en sí mismo y su amistad con Bela Lugosi, el "Drácula" de Tod Browning, al que ofreció el papel protagonista en sus películas. Pero ni aun así consiguió hacer ninguna cinta digna de destacar. Me atrevo a añadir que se hizo mundialmente conocido a raíz de que Tim Burton decidiera llevar a la gran pantalla los andares de este peculiar director.

Bien dirigida y mejor interpretada, sobretodo por un Martin Landau en el papel de Bela Lugosi, es una película con buena dosis de humor que entretiene y que ha llegado a convertirse en la película de Tim Burton más de culto.

En cuanto a las interpretaciones, Martin Landau quita cierto protagonismo a un Johnny Depp en el papel de Ed Wood. No quiero ofender a los admiradores de Depp, pero creo que es uno de esos casos de endiosamiento que se hace a algunas estrellas del cine, que una vez te pones a examinar su carrera y su filmografía, te preguntas ¿por qué?. Siendo el actor fetiche de Tim Burton, Depp ha protagonizado siete cintas de Burton: Eduardo Manostijeras, Ed Wood, Sleepy Hollow, Charlie y la fábrica de chocolate, Sweeney Todd: el barbero diabólico de la calle Fleet, Alicia en el País de las Maravillas y Sombras tenebrosas, creo que es Johnny Depp el que debería estar más agradecido a Burton y no lo contrario. Al fin y al cabo es Tim Burton el que se ha convertido en un director de culto, sobretodo en el de animación y en el género fantástico. Habrá quien lo encumbre y habrá quien lo critique; yo, simplemente, afirmo que me parece uno de los directores con mayor imaginación y que hay producciones de él que me han hecho vibrar (especialmente las de animación) y otras que no tanto. Ed Wood, en concreto, me ha parecido una cinta mucho más que correcta que debe hacer gala de ese cine de culto que es. 

Junto a Landau y a Depp, nos encontramos con una Sarah Jessica Parker, que nada tiene que ver con la de Sexo en Nueva York, con Patricia Arquette y un Bill Murray en un pequeño papel pero siempre excelente.

¿Recomendable?. Yo creo que sí, al menos si quieres ser director de cine, sirve de manual de cómo no debes hacer una película. Lo mejor: la interpretación de Martin Landau, la fotografía y ciertos momentos llenos de comicidad. Lo peor: el encumbramiento de un Johnny Depp cuyas interpretaciones son correctas pero que, a mi parecer, no dicen nada más allá de la corrección. Un 6 sobre 10.

2 de junio de 2012

"300". Ajú, Ajú, Ajú. Sangre, gritos y tabletas de chocolate.

De Frank Miller, creador de "Sin city", llegó dos años más tarde la cinta del cómic "300". Una película de un guión flojo, una voz en off que chirría a pesar de ser muy ronca y unos cuerpos esculturales que rozan la irrealidad; pero en su favor diré que a nivel estético, visual y de efectos es deslumbrante.

Como vengo diciendo en opiniones anteriores, una película tiene muchos aspectos que pueden hacer de ella digna de ser admirada o rechazada. En este caso, lo que la salva a mis ojos es eso, la vista y el disfrute de una estética y unas coreografías que te hacen vibrar y que pocas veces he visto en la gran pantalla. Además, no siendo mi caso, es un escaparate de cuerpos, algo así como 300, con sus respectivas tabletas de chocolate a la altura del vientre que crees que no existen más que en los anuncios de calzoncillos y colonias masculinas.

En cuanto a la historia no es más que la puesta en escena de la batalla de las Termópilas en la que el rey Leónidas (Gerard Butler) y 300 soldados espartanos se enfrentaron en defensa de Grecia a los persas cuyo ejército era inmensamente superior, al menos en número. La condición de tipo duro del rey Leónidas acaba provocando risas en lugar de seriedad.

En fin, ¿si me ha gsutado?. Pues sí, porque a veces es mejor dejar que la mente duerma y sacar los ojos a pasear y ¿qué mejor que "300" para llevar a cabo tales acciones?. Un 7 sobre 10.

"Fast food nation". Ya lo sabíamos pero...

En la estructura piramidal en la que se basa el sistema empresarial, el que se encuentra muy cerca del vértice superior no tiene ni la más remota idea del trabajo y las condiciones laborales de la gente que trabaja en lo más bajo de esa pirámide y que, paradójicamente, son la base de la empresa, los soldados rasos, los peones, los currelas.

Que los Estados Unidos de América son la cuna de la comida rápida y, por lo tanto, de la comida basura, ya lo sabíamos. Quizás toda la cadena y sus "mafias" que va desde los ganados hasta que te sirven en bandeja de plástico la hamburguesa en cualquier restaurante "fast food", pasa más desapercibido a las mentes de los clientes que, gustosamente, dan el primer mordisco a esa masa cárnica de dudosa producción y procedencia.

Es una película que perfectamente se podría haber convertido en un documental pero para eso ya está "Supersize me", así que aquí nos topamos con actores de la talla de Greg Kinnear, Ethan Hawke, Patricia Arquette, Catalina Sandino Moreno ("María llena eres de gracia"...) y breves apariciones de Bruce Willis y Kris Kristoferson.

Una película coral que expone, de manera algo tremendista, al menos eso espero, todo el proceso encadenado de la hamburguesa. Bien hecha y bien contada por parte del director de "Antes del amanecer" y "Antes del atardecer". Un 6'5 sobre 10.

27 de mayo de 2012

"Immortals". No creo en dioses, creo en Tarsem Singh.

Desde que ví "Terminator 2" no pensaba que fuera a ver efectos especiales tan alucinantes como los que vi en esa cinta de James Cameron. Evidentemente estaba equivocado, luego aparecieron "Matrix", "El Señor de los anillos", "Kung Fu Sion", "La casa de las dagas voladoras", "Tigre y Dragón" y, con Tarsem Singh, director de "La celda", "The Fall: El sueño de Alexandria", "Immortals" y "Mirror Mirror", accedemos a otra dimensión de los efectos visuales. Su cine es, ante todo, visual. Y es que este director indio, antes de debutar en el cine con "La celda" junto a Jennifer López, ha sido director de vídeos musicales y de anuncios comerciales, muchos de ellos premiados (Nike, Pepsi, Nissan...). De esta manera no es de extrañar que sus películas tengan un ritmo y un montaje trepidante así como unos efectos que hacen que tus ojos salten de alegría.

Concretamente "Immortals" es poesía visual. Una película más de dioses y hombres, de mitología, de batallas cuerpo a cuerpo que merece ser vista por la estética, las coreografías y, sobre todo, por los efectos. No es cine de culto, pero, aunque una película de este tipo es difícil catalogarla de autor, en mi opinión lo es. Cine de Tarsem Singh. Es quizás la película donde queda más que justificado que haya sido rodada en 3D. No la he visto en este sistema tan de moda, pero me la he imaginado y debe ser espectacular.

A nivel interpretativo nos encontramos con un Mickey Rourke que hace tiempo que perdió el sex appeal de "Nueve semanas y media" o "El corazón del ángel" pero que sigue en activo y dando, a veces, grandes frutos como "Sin city" o "El luchador"; junto a él nos encontramos al poco conocido cuerpazo llamado Henry Cavill en el papel protagonista de Teseo, a una guapa Freida Pinto ("Slumdog millionaire", "Conocerás al hombre de tus sueños"...) que se come la cámara con sus apariciones, a un John Hurt ("Alien el octavo pasajero", "El expreso de medianoche" -entre más de sus cien películas-) siempre notable y a un Stephen Dorf al que le había perdido la pista.

Si queréis pasar un rato alucinando con lo que estáis viendo, repito, viendo, es muy recomendable. Si queréis ver una película que te haga pensar, reír, llorar..., quizás no sea la más adecuada. Un 7 sobre 10.

"La pesca del salmón en Yemen". Hallström a contracorriente.

Como en otras de las muchas películas del sueco Lasse Hallström ("Chocolat", "Las normas de la casa de la sidra", "Querido John"...), ésta trata de la posibilidad de un amor imposible entre dos personas que no pertenecen al mismo mundo y de caracteres bien diferenciados. Aquí lo maquilla demasiado con una historia demasiado enrevesada y con un proyecto, a priori, muy costoso de llevar a cabo; quizás tan costoso como una posible relación sentimental entre los dos protagonistas.

El personaje de Ewan McGregor sufre una transformación desde los dos tercios de la película hasta el final poco creíble. Al principio se nos muestra un personaje extraño y un tanto "friki" pero luego, de repente, su enamoramiento de la otra protagonista de la historia (Emily Blunt), lo convierte en un ser blando y algo ñoño. Lo mejor es la interpretación de Kristin Scott Thomas como jefa de prensa del gobierno inglés; esta actriz nunca falla y hace que una interpretación suya sume puntos a la calificación final del film.

Una historia con un final tan previsible que ni siquiera los giros argumentales consiguen que esperemos una sorpresa. Se deja ver pero no aporta nada más que dos horas de típico entretenimiento. Señor Hallström, afine un poco más en futuros proyectos por favor y gracias por "¿A quién ama Gilbert Grape?", "Chocolat" y "Las normas de la casa de la sidra". Un 5 sobre 10.

26 de mayo de 2012

"J.Edgar". Eastwood VS Di Caprio.


Clint Eastwood y Leonardo Di Caprio se baten en duelo en este biopic sobre el primer director del FBI, John Edgar Hoover; uno en la dirección y el otro interpretando a J.Edgar. Aunque Eastwood sigue dando grandes frutos a sus más de 80 años, la interpretación de Di Caprio consigue eclipsarlo. Desde tiempos del Titanic, este actor al que ya le queda poco de su cara juvenil, ha trabajado con grandes cineastas de la talla de Scorsese (en cuatro ocasiones), Spielberg, Riddley Scott, Danny Boyle y, en breve, con Tarantino. Eso no es casualidad. No, no y no. No exagero si en esta interpretación me ha recordado al Marlon Brando de "El Padrino". Si alguna vez Di Caprio se ha preguntado cual será su imagen de anciano, gracias al trabajo de maquillaje, se puede hacer una ligera idea. Está realmente muy conseguido.

La película en sí es una buena película que nos cuenta cómo un hombre cobarde pero con cierto carisma puede llegar a convertirse en uno de los personajes más temidos y poderosos de la historia de los Estados Unidos, y es que información es poder y si esa información es secreta sobre diferentes personalidades, más poder todavía. A pesar de su homosexualidad, nunca llegó a abrir las puertas del armario, es más, estuvo a punto de caer en el error de un matrimonio heterosexual, simplemente supo saciar su deseo teniendo a su lado a su fiel compañero y amigo (también homosexual) Clyde Tolson (Armie Hammer), por cierto un papel más que notabble. En el reparto también aparece una siempre acertada Naomi Watts pero su interpretación no va más allá de la pura discreción.

Respecto a Clint Eastwood parece que siga en la flor de la vida. A mi parecer en esta película su trabajo es digno de ser aplaudido, pero da la sensación que todo lo que haga tiene que estar bien hecho. Pues no, y eso también me ocurre con grandes cineastas como Spielberg o Woody Allen que, sin ánimo de echar sus carreras por los suelos, también son los que firman algunos bodrios tales como "Amistad", "Minority Report", "El sueño de Casandra", "Vicky Cristina Barcelona" o, en el caso de Eastwood, "Más allá de la vida". Pero bueno, no seré yo quien los crucifique ni mucho menos, simplemente sé perdonar, más cuando este Harry Callahan de carne y hueso nos ha brindado grandes obras como "Mystic river", "Million Dollar Baby" o "Los puentes de Madison" entre otras muchas.

Definitivamente es un film con el que se disfruta, bien sea por la interpretación de Di Caprio en particular, bien sea por la dirección de Clint Eastwood, bien por la fotografía, bien por el maquillaje o bien por todo esto combinado en una coctelera cuyo resultado es muy notable. Un 7'5 sobre 10

22 de mayo de 2012

"La prima cosa bella". Cine a la italiana.


Una película a la italiana. Anna es madre de dos niños, Bruno y Valeria y está casada con un hombre que no la merece. En 1971 es coronada como la mamá más bella en un balneario de Livorno. Un hecho que podría perecer simpático en un primer momento se convierte en el punto de partida de la desestructuración de una familia. Aunque Anna (Micaela Ramazzotti) es la protagonista de la historia, así como del título de la misma y hace un papel más que correcto, el actor que interpreta a su hijo Bruno, Valerio Mastandre, merece más reconocimiento. Es el que pone la nota más cómica en la película.

Un film que habla del reencuentro y reconciliación de una familia, que aunque nadie soporta a nadie, al fin y al cabo se quieren como familia que son. 

Del director, Paolo Virzi, marido en la vida real de Micaela Ramazzotti, decir que es notable, sabe en qué momento debe dotar a la película de comicidad, de drama o de amor (a una madre). 

En definitiva se trata de una película amable de ver pero que no dejará marca en la memoria de un espectador notable. Un 6 sobre 10.

"Das boot". El submarino.


Wolfgang Petersen firma esta obra maestra del cine bélico que le supuso el trampolín hasta la meca hollywoodiense. Quizás habría sido mejor que se hubiera quedado en la entonces República Federal Alemana y pudiera seguir haciendo películas de calidad como "Das boot" o "La historia interminable", casualmente sus dos últimas películas de nacionalidad alemana. Si hubiera hecho eso nos habría ahorrado una película perfectamente prescindible como la vomitiva americanada "Air force one". ¿Por qué un arte tan bonito como el cine tiene que contar en sus bases de datos con algo como este bodrio yanki?.

Dejando de lado los vaivenes cualitativos en la filmografía de Petersen, hay que señalar que "Das boot" es una gran película antibelicista que te coge de la mano y hace que te sumerjas con todos y cada uno de los tripulantes del submarino nazi. Eso es lo que tiene el cine, que te identifiques con unos personajes que en la vida real repudiarías, pero es que Petersen consigue que nos olvidemos de a quienes representan y cuál es su oficio. Es cierto que ninguno de ellos parece tener una ideología muy marcada, son soldados al cargo de un régimen pero huyen de los saludos y simbologías nazis. Más que ir a una guerra parece que se embarquen en una batalla contra sí mismos para demostrar hasta donde es capaz de llegar el ser humano para sobrevivir. Meterse en un submarino ya tiene, de por sí, cierta dosis de atrevimiento, pero hacerlo en una guerra que parece que no vaya a acabar bien (al menos para ellos) no tiene nombre. Más que una película bélica es una película sobre el alcance del ser humano.

Digno de mención es el trabajo de la cámara, que se desplaza a lo más largo que ancho del escenario como si fuera un tripulante más y del sonido, que hace que te sobresaltes en varios momentos del film. Consiguió seis nominaciones a los Oscars y no se llevó ninguno, pero es que hace 30 años no era muy común que una película extranjera fuera nominada a no ser que se tratara de mejor film de habla no inglesa. En lo que a los Oscar se refiere me guío más por las nominaciones que por los ganadores, que no siempre son los merecedores. Si esta película la hubiera firmado un tal James Cameron, otro gallo cantaría.

No apta para claustrofóbicos pero muy apta para cinéfilos. Tres hurras por Petersen. Hurra, hurra, hurra!!!. Un 8 sobre 10.

20 de mayo de 2012

"Young adult". Jugando a no madurar.

Charlize Theron interpreta a Mavis Gary, una escritora recién divorciada que decide volver a su pueblo natal para recuperar un antiguo novio del instituto o por lo que ella llama por un asunto inmobiliario. Aunque es una escritora que en cierto momento tuvo un cierto éxito con novelas para adolescentes, ahora no está pasando por su mejor momento, ni personal ni laboralmente; es como si haciendo una comparación con los personajes y público de sus novelas haya decidido tirar el ancla y quedarse para siempre en la piel de aquella joven de instituto. Su forma de vestir, de actuar, de hablar y de tratar a los hombres son más propias de una adolescente que de una mujer que ronda los cuarenta. No hay nada que reprochar a Theron. Su cara atrapa y su interpretación encandila. Esta guapa sudafricana puede hacer de mujer fatal, de prostituta, de ladrona o de detective que siempre agrada a los ojos y a las mentes cinéfilas.

De las tres películas de Jason Reitman (director) que he visto ha sido la que menos me ha gustado; se encuentra por detrás de "Up in the air" y muy por detrás de "Juno". No obstante también ha sabido dotar a este film de un ritmo inteligente con momentos interesantes. Al igual que en Juno nos muestra a una adolescente que debe jugar el papel de madre, aquí nos ofrece a una mujer que quiere seguir jugando el papel de adolescente. Un 6 sobre 10.

12 de mayo de 2012

"Un dios salvaje". Una salvaje comedia.


Dos jóvenes, una disputa, unos padres, dos matrimonios, una estancia, una botella de buen whisky, una caja de puros...estos son los ingredientes de la última película de Roman Polanski, una adaptación de la homónima obra teatral de Yasmina Reza.

Cuando te atreves a hacer una película con tales elementos, los cuatro personajes deben estar interpretados por actores y actrices de talla. En esta ocasión Polanski ha sabido escogerlos. Jodie Foster (sobran referencias), Kate Winslet ("Olvídate de mí", "El lector"...), John C. Reilly ("Cyrus", "Magnolia"...) y Cristoph Waltz ("Malditos bastardos") interpretan como si estuvieran jugando una partida de parchís. Cada uno sabe cuando le toca jugar y, según el momento, a quién debe atacar.

Aunque se supone que están en Nueva York, la película ha sido rodada en Europa. Es sabido por todos que las puertas estadounidenses están cerradas para el señor Polanski; pero nadie dice que no pueda trasladar su historia donde quiera.

A raíz de una pelea protagonizada por los hijos de ambos matrimonios (Foster-C.Reilly y Winslet-Waltz), en un intento por aclarar las cosas, en lugar de ello se van torciendo cada vez más dando lugar a momentos verdaderamente hilarantes. De un granito de arena...

Dejando por sentado que los cuatro hacen un gran trabajo, me quedo con la interpretación de John C.Reilly; me gusta este actor que ha pasado de ser un secundario bastante habitual a ganar mucho más peso en el cine con papeles principales. Winslet y Foster me gustan sobre todo a medida que va aumentando su ebriedad en la historia. Waltz, menos conocido, pero también a la altura de los otros tres. La música de Alexander Desplat ("El escritor", "El árbol de la vida", "El discurso del rey"...) también merece cierto reconocimiento.

En definitiva, para tratarse de una película rodada en una única estancia de interior y con únicamente cuatro personajes, Polanski ha sabido dotarla de equilibrio, tanto a nivel de dirección de actores como a nivel de planificación. Pocas veces falla este pedazo de director de casi ochenta años. Un 7,5 sobre 10.

"El concierto". Pequeño aprendiz de Kusturica.


Andreï Filipov (Alksei Guskov) fue destituido como director de orquesta del célebre Bolchoi al negarse a despedir a los músicos judíos, justo cuando era considerado el mejor director de la Unión Soviética. Treinta años después la vida le brinda una segunda oportunidad, y es que siendo el hombre de la limpieza del mismo Bolchoi, es más fácil que se te presente esa oportunidad, y si no pues se presenta él a ella. Las oportunidades más que presentarse se buscan.

Un melodrama camuflado en una comedia algo estrambótica. Tiene momentos verdaderamente graciosos, sobretodo los encarnados en la piel del manager de la orquesta. Un humor algo estrafalario que quiere y no puede acercarse al desorden ordenado de Kusturica.

De Radu Mihaileanu, director francés de origen rumano, me gustó mucho más "El tren de la vida". Lo mejor de "El concierto", además de ciertos momentos hilarantes, es la música, la dirección y Mélanie Laurent, a la que también vimos en "Malditos bastardos", no sólo por su interpretación, sino porque llena con su aparición los cuatro costados de la pantalla.

En definitiva, es una sátira política que se deja ver, que la verás hasta los títulos de crédito y que te gustará haber visto aunque en pocos días la archives en tu memoria con tanta gloria como pena. Un 6 sobre 10.

5 de mayo de 2012

IRRE3V3RSIBL3. Estremece o enriquece.



Una película difícil de recomendar y que ello no implique poner en peligro tu integridad física.

Estremece, perturba, altera y produce un choque de sensaciones difícil de describir. Gaspar Noé (en la dirección) se atreve provocando en el espectador un cúmulo de sobresaltos. Un atrevimiento que a nivel cinematográfico es de agradecer pero que a nivel anímico destruye.

A nivel narrativo, según se mire, comienza como acaba o acaba como comienza. Al fin y al cabo eso no es lo importante, aquí es la cámara la protagonista, sin quitar mérito a sus tres protagonistas de carne y hueso (Monica Bellucci, Vincent Cassel y Albert Dupontel). Gaspar Noé es capaz de mostrarnos la historia con planos incesantemente en movimiento como con planos fijos y de duración extrema para provocar en nosotros una confusión que ayuda a la agitación personal. 

Sobretodo son dos las secuencias no aptas para todos los públicos, no por la edad sino por la capacidad de aguante. Una es de un asesinato a sangre fría con un extintor y la otra es de una violación. Nunca he visto en cine una violación tan angustiosamente real como aquí. Da igual ver a Monica Bellucci desnuda, lo único que quieres es apartar la vista de la pantalla aunque no lo hagas. Somos morbosos por naturaleza, nos gusta el sufrimiento visual que nos trastoca el alma y el corazón...Por mucho que apartes la mirada, hay una banda sonora que es tanto o más angustiosa que la imagen. Estamos atrapados. Suerte que la historia está contada al revés. La última secuencia es la primera que se nos ofrece y la primera es la última.

Como reza la frase final de la película: "El tiempo lo destruye todo", conforme avanza el metraje el sístole y diástole van decelerando hasta llegar al principio de la historia y es, entonces, cuando te haces una idea de conjunto del film y eres capaz de agradecer que se nos cuente al revés. Es en ese momento cuando te alegras de haber subido a una montaña rusa por muy mal que lo hayas pasado pero, sobretodo te alegras de haber bajado de ella. Un 7,5 sobre 10.

1 de mayo de 2012

"El árbol de la vida". Una imagen vale más que mil palabras.


¿Quiénes somos?, ¿De dónde venimos? y, lo que es peor, ¿Adónde vamos?. Terrence Malick se desvía de los cánones de la narratividad y nos transporta a un universo donde hay vida y muerte, luces y sombras, fe y no fe, origen y destino...

Si el cine es contar historias entendibles a la primera y que el espectador genere en su cabeza una opinión sobre el film en cuestión nada más verlo, "El árbol de la vida" no es cine, pero si el cine es juntar imágenes y provocar una sensación, agradable o no, en la mente del espectador, "El árbol de la vida" lo consigue de una manera tan poética como ya lo consiguiera en 1968 Kubrick con su "2001. Una odisea del espacio"

Es una película que no importa como empieza ni como acaba, importa verla o no verla. A lo largo del metraje se nos va ofreciendo imágenes del cosmos, imágenes subacuáticas o imágenes generadas digitalmente con un acompañamiento musical que juntos crean una sinfonía audiovisual digna de ver y disfrutar. Mis ojos han experimentado un orgasmo y mi alma se ha encogido ante tanta belleza. Aun así, entiendo que haya habido espectadores que se hayan levantado de su butaca y se hayan sentido estafados. Mi consejo es que no se vayan, que la acaben de ver aunque sólo sea por disfrutar de un digno espectáculo.

La severidad de un padre (Brad Pitt) choca con la dulzura de una madre (Jessica Chastain)...Unos padres que pierden a un hijo, unos hermanos que pierden a un hermano...A raíz de ese acontecimiento, la historia es un cúmulo de preguntas, casi todas de ellas sin responder en los millones de años de la Humanidad...Cada uno tiene su visión sobre el origen del mundo, de la vida, de la muerte, pero Malick consigue que todos nos cojamos de la mano y lancemos al aire un interrogante común...

Quizá lo que menos me ha gustado haya sido Sean Penn; no por su interpretación, que siempre me ha gsutado, sino por el poco provecho que se le saca a su personaje y a su consecuente aparición en pantalla. Brad Pitt, al que por fin ya se le nota algo el paso de los años está, como muchas veces, genial, se quitó de encima su traje de guapito y se puso el de buen actor hace ya unos años. La cara casi angelical de Jessica Chastain te atrapa.

Es arriesgado y agradecido en igual medida el trabajo de Terrence Malick, demostrando que salirse del molde no significa no gustar sino que simplemente tu éxito depende de un grupo más reducido de espectadores, con lo cual la satisfacción puede ser mucho mayor. El éxito (no comercial) de una película no creo que vaya acompañado del número de espectadores que la han visto sino de que los que la hayan visto sigan hablando de la película días después de haberla visto. Claro está que, hoy en día, es difícil pensar que una película se haga sin pensar en el resultado de taquilla, pero en ésta da la sensación de que Malick ha querido hacer su obra y la ha hecho sin pensar en recaudaciones...; evidente es también que si además del éxito de crítica consigues, al menos, reembolsarte lo invertido, mejor que mejor. Cuanto más azúcar más dulce. Un 8 sobre 10.

"Todas las canciones hablan de mí". A todos nos ha pasado.


Una ruptura siempre es dolorosa...Sea como sea siempre es así. Una ruptura es un cambio, normalmente a mejor pero, según las partes contratantes puede ser a peor. Lo feo es la resignación. Si uno no quiere o no está convencido de ese cambio nunca debe resignarse, debe persistir, al menos, hasta darse cuenta de que realmente no hay marcha atrás.

Ramiro lo acaba de dejar con su novia después de seis años juntos. Es licenciado en Filología y trabaja en la librería de su tío. Aunque quiera demostrar lo contrario, no tiene ambiciones en la vida; su única ambición es recuperar la relación que tenía junto a su novia y es ésta la razón que hace que se difuminen el resto de ambiciones. Como bien dice Calamaro: "no se puede cambiar de corazón como de sombrero sin haber sufrido primero" o "...de corazón como de camisa sin perder la sonrisa". Cuánta razón Andrés.

Además de algunas frases interesantes, lo que más me ha gsutado de esta película es el Ramiro de Oriol Vila o el Oriol Vila del Ramiro. Consigue caer bien, no sé si por su naturalidad o porque perfectamente podría ser un amigo tuyo, pero lo consigue. Ya me gustó en "Tu vida en 65 minutos" y lo vuelve a hacer en la ópera prima de Jonás Trueba, hijo de Frenando, cuyo debut no sé si es el mejor pero sí es, al menos, aceptable. Lo seguiremos. Un 5'5 sobre 10.

29 de abril de 2012

"Drive". Vuelta al cine ochentero.


Ryan Gosling interpreta a Driver, un conductor pluriempleado: conductor especialista de cine y chófer para delincuentes. Ambos trabajos se los gestiona su jefe-representante Shannon. Tipo duro al que lo único que le hace replantearse su vida es cuando conoce a Irene (Carey Mulligan), su vecina.

Una película que mezcla de cine de acción con el cine negro, que sorprende por sus giros, ya no en el argumento, pero sí en su intensidad. En ciertos momentos es muy agresiva y violenta, lo cual puede causar alguna contrariedad en el espectador, pero con los tiempos que corren en los que estamos tan acostumbrados y sometidos a una lluvia de imágenes de gran violencia y crueldad, aunque nos siguen sobrecogiendo, es como si estuviéramos esperando ese punto violento. Más que una oferta de ese tipo de agresión visual, es el espectador quien de una manera indirecta las demanda. Es triste, pero es así. No queremos ver cómo matan a alguien pero lo vemos y, no sólo en el cine, sino también en los informativos y, en estos, lo que se cuenta (más o menos), es la vida real.

Lo mejor: esos cambios de intensidad que te pillan por sorpresa, las secuencias de persecución (muy logradas) y los actores secundarios Albert Brooks, Ron Perlman y Carey Mulligan (me gusta esta actriz de cara dulce aunque me gustó más en "Shame")...Lo peor: no es por meterme con este actor en alza como lo es Ryan Gosling, pero su cara de piedra gélida, por mucho que su papel se lo pida, no me la acabo de creer. Me gustó más en "Los idus de marzo", no sé si su personaje o su interpretación, pero me gustó más.

Una historia, unos personajes (sobretodo el principal), un argumento, una música y una ambientación muy propia del cine de acción de los 80. Sin embargo, es del 2011 y, a estas alturas, nos hemos desacostumbrado a ese tipo de cine que te traslada a otro tiempo, a otra década de la que guardas nostalgia cinematográfica. Un 7 sobre 10.

28 de abril de 2012

"Hunger". Hambre de cine.


Steve McQueen ha demostrado en su ópera prima que, como su título, tiene hambre, mucha hambre de cine. Habiendo visto "Shame", su segunda película, se confirma que este negro y orondo director británico sabe lo que se hace. Hay que seguirlo de cerca. 

En Hunger se nos cuenta la huelga de hambre a la que se autosometieron presos del IRA tras los duros acontecimientos de 1981. Michael Fassbender, que interpreta a Bobby Sands, uno de esos presos, nos deja con la boca abierta por su interpretación y su transformación física.

Es ese tipo de películas cuya dirección, estructura narrativa e interpretación dejan el guión en un segundo plano. No quiero decir que el guión sea flojo, todo lo contrario, pero el trabajo arriesgado de McQueen, atendiendo a que es su debut cinematográfico, consigue que veas más allá de la propia historia, una historia dura, una historia tristemente real, una historia que te absorbe de principio a fin.

Es destacable la secuencia en la que Bobby mantiene una conversación con un sacerdote católico. Es un plano fijo, sin cortes y de un cuarto de hora de duración. Es como si no te dieras cuenta de la presencia de la cámara, la cual se sitúa como si te sentases en un banco a observar y escuchar a los personajes.

Consejo de cinéfilo: si quieres sentarte a verla que sea con el estómago vacío aun sabiendo que dos horas más tarde de que termine el film tampoco probarás bocado. "Hunger" te deja vacío, bien sea por su narración o bien sea por la historia que cuenta. Espero que este consejo no vaya en detrimento de poder disfrutar de una gran película que te dejará con hambre de Steve McQueen, con hambre de Fassbender y, en definitiva, con hambre de cine. Merece la pena; y mucho. Un 8 sobre 10.