8 de septiembre de 2012

"Shine". Geoffrey Rush deslumbra.

Un por entonces desconocido actor australiano de nombre Geoffrey y de apellido Rush se mete brillantemente en la piel de un excelente y demente pianista, David Helfgott. Demente por la severidad de un padre que quería a su hijo, que sentía un extraño orgullo hacia él, que quería que triunfara pero no mucho más allá de las cuatro paredes de su casa y, mucho menos, lejos de su país.

Los otros dos actores que interpretan al David niño (Alex Rafalowicz) y al David adolescente (Noah Taylor) están casi a la altura de Rush. Pocas películas considero recomendables por la interpretación de un actor, al margen del guión, fotografía, etc..., pero es que si además de una historia atractiva podemos disfrutar del "trabajazo" de Geoffrey Rush, pues mejor que mejor. Es curioso que para haber saltado a la fama mundial en 1996 (sólo hace 16 años), me da la sensación de que es un actor de los de toda la vida, y es que después de este su posiblemente mejor papel, le llegaron muchos otros de gran nivel: "Shakespeare in live", "Elizabeth", "Piratas del Caribe", "Llámame Peter", "Munich", "El discruso del rey"..., ahí es nada. También cabe destacar el papel del padre severo de David, Armin Mueller-Stahl; grandioso.

Al margen interpretativo, la historia, basada en hechos reales, es de esas historias que suelen agradar al espectador sobre niños prodigio, en este caso, del piano. Muy bien estructurada y con más de tres grandes momentos (destaco cuando toca "El vuelo del moscardón" de Rimsky-Korsakov en un restaurante ante el asombro de los presentes; absolutamente brillante), gusta y emociona. Un 7'5 sobre 10.

"Margin call". Cavando hondo.

Buen debut de J.C. Chandor en la direccion y un elenco de actores a los que no se les puede pedir más; dan lo que esperas de ellos aun sabiendo que lo que esperas es mucho. Si alguno destaca sobre los demás ese es el siempre excelente Kevin Spacey..., pero ninguno se queda lejos de él: Jeremy Irons, Paul Bettany, Simon Baker ("El metalista"...), Stanley Tucci y Demi Moore están más que dentro de las exigencias del espectador.

Horas antes del caos financiero de 2008, un grupo de inversores demuestran que ante la mesa de un ordenador pueden cambiar no sólo sus vidas sino la del resto de la población mundial. 

Con diálogos acertados que no aburren con términos económicos que sólo conocen los del gremio sino que hacen aún más atractiva la trama de la historia, tristemente inspirada en hechos reales, hacen de esta cinta, junto con las grandes interpretaciones, un producto algo más que interesante. Ver al personaje de Kevin Sapcey cavando un hoyo no tiene precio. Un 7 sobre 10.

2 de septiembre de 2012

"Lulú on the bridge". Y la música dejó de sonar.

Harvey Keitel interpreta a un famoso saxofonista que una noche es herido de gravedad tras un tiroteo producido en el local donde actuaba. La música es su vida, está divorciado y es cuando ve cerca su muerte cuando decide aferrarse a la vida. Se hace con una caja que contiene una piedra azul que provoca una especie de orgasmo amoroso a aquellos que la contemplan. Una piedra tan irreal como parece serlo la relación surgida entre los dos protagonistas, Keitel y una espléndida Mira Sorvino. Ambos interpretan magníficamente sus papeles. Aunque el final es previsible, la forma de desarrollar la trama es tan interesante como desconcertante.

La atmósfera y la interpretación de Keitel evocan al Martin Scorsese de sus inicios. Ignoro si Paul Auster es mejor escritor que director ya que sólo he leído uno de sus libros ("Míster Vértigo") y he visto una de sus películas (ésta en concreto). Supongo que es mejor escribiendo debido a que es más conocido en esa faceta.

En resumidas cuentas se trata de un producto que entretiene, que gusta por sus interpretaciones pero que desconcierta en varios momentos. Se puede ver pero, a la vez, se puede no ver. Un 5'5 sobre 10.

"Mi vida como un perro". Como perro te tratan, perro eres.

El director sueco Lasse Hallström ("¿A quién habla Gilbert Grape?", "Las normas de la casa de la sidra", "Chocolat", "La pesca del salmón en Yemen"...) dirigió en 1985 "Mi vida como un perro", quizás la mejor de su carrera, al menos para el que esto escribe. La cinta es sueca y no americana y, además tiene casi 30 años.

Podría decirse que Hallström saltó a la fama mundial con "Las normas de la casa de la sidra" o "Chocolat", pero claro, ahí contaba con capital estadounidense y con actores de renombre como Charlize Theron, Juliette Binoche o Johnny Depp..., pero es en "Mi vida como un perro" donde un chaval llamado Anton Glanzelius interpreta fantásticamente a Ingemar, un niño que ve como su madre va consumiéndose poco a poco a raíz de una enfermedad terminal. Ingemar se abstrae de la realidad pensando en Laika, la perra que mandaron al espacio para que allí muriera. Siente cierta atracción por los perros, tanto que llega a actuar como ellos. Se ve obligado a abandonar su hogar e irse a vivir con unos familiares a un pueblo sueco donde Ingemar parece querer empezar una nueva vida. Lástima que este pequeño actor danés nunca jamás volviera a la interpretación. Ahora es propietario del mayor canal de televisión sueca, TV4.

A pesar de ser un dramón basado en hechos reales, Hallström consigue un perfecto equilibrio con la construcción de unos personajes fuera de convencionalismos y situaciones cómicas que consiguen que al término de la película no tengas un nudo en el estómago sino la satisfacción de haber visto buen cine. Un 7'5 sobre 10.

22 de agosto de 2012

"Las nieves del Kilimanjaro". Rica gente.

Tener o no trabajo depende de una tómbola. Muestra de los tiempos que corren.

Un drama de rabiosa actualidad pero contado con un optimismo y positividad que bien vendría a más de uno en la misma situación. Michel es trabajador y sindicalista en una empresa portuaria y el encargado de notificar los despidos de veinte de ellos. Se trata de un sindicalista de los pies a la cabeza, de los de antes, no de los de ahora (salvo alguna excepción). Su ideología y la defensa de los derechos de los trabajadores van mucho más allá de tener una nómina a fin de mes.

Jean-Pierre Darroussin, habitual en las películas de Robert Guédiguian (director), aunque me gustó más en "El Havre" (también comentada en este blog) interpretando al astuto inspector, aquí da vida a Michel. Una interpretación entrañable y loable pero que queda un poco a la sombra del trabajo de Ariane Ascaride en el papel de Marie-Claire, mujer de Michel. Es la nota alegre, con sus bailes y su sonrisa contagian al más inmune de los espectadores.

El último cuarto de hora es lo mejor. La comparación del ser humano con los distintos animales según su aspecto o su carácter es genial. Y es que no hace falta irse a África para poder contemplar dicha fauna. Simplemente te sientas y observas la playa. Poco a poco te sentirás como en un safari a bordo de un jeep.

Un drama actual sobre el trabajo, sobre la familia y sobre la autenticidad de la amistad y de las relaciones humanas en general que el mismo Guédiguian admite haberse inspirado en un poema de Victor Hugo, "La gente pobre". Un 7 sobre 10.

"Profesor Lazhar". Apender enseñando.

Un profesor de origen argelino se presenta a ocupar la vacante dejada por una malograda profesora en una escuela de primaria de Montreal.

Tras la imagen impactante ocurrida durante los cinco primeros minutos de metraje, impactante para el espectador, pero más aún para los niños estudiantes, esta historia te atrapa. No es la típica película donde el profesor endereza la vida de sus pupilos. Lazhar es argelino y tiene ante sí la importante misión de conseguir que los niños superen lo vivido unos días atrás. Él es el primero que debe sobreponerse al vacío que dejó su antecesora. La satisfacción que le produce enseñar a los niños se ve recompensada por la estima que poco a poco van otorgándole los pequeños.

Una gran interpretación de Mohamed Fellag en el papel del profesor argelino, una historia que extrae los sentimientos del espectador dejándoselos a flor de piel, una narración inteligente y un ligero toque de humor hacen de este film canadiense un indispensable del cine profesor-alumno. Un 7 sobre 10.

"Regreso al paraíso". Dilema vital.

Tres jóvenes amigos están de vacaciones en Malasia. Tienen diversión, chicas, playas espectaculares y...hachís. Dos de ellos deciden volver a Estados Unidos y retomar su rutina. El otro prefiere quedarse alegando su amor por los animales y la naturaleza. Dos años más tarde una abogada se pone en contacto con los que decidieron volver a Estados Unidos. Necesita su ayuda y, el amigo que se quedó en Malasia, mucho más.

Son de esas historias que hacen que te preguntes qué harías si estuvieras en el lugar de los protagonistas. Mantiene el suspense de una manera más que notable. Al frente del reparto están Vince Vaughn, Anne Heche y Joaquin Phoenix. Este último hace una interpretación sobresaliente. 

El consumo o tráfico de drogas en países donde está muy perseguido ya se ha visto en la gran pantalla en varias ocasiones. Ninguna llega a la altura de "El expreso de medianoche" de Alan Parker, donde la identificación con el personaje consigue que sufras casi tanto como él, pero esta cinta de 1998 dirigida por Joseph Ruben ("Durmiendo con su enemigo", "El buen hijo", "Asalto al tren del dinero"...) consigue que te identifiques con quienes tienen el dilema de su vida ante sí y no con la víctima.

Buena dirección, buen suspense y buenas interpretaciones en un producto que te entretendrá de principio a fin. Un 6'5 sobre 10.


15 de agosto de 2012

"Las marismas". Andar en falso tras Stieg Larsson.

El islandés Baltasar Kormákur firma este thriller policíaco ambientado en Mýrin (Islandia) y basada en la novela de Arnaldur Indriðason. No sé si se trata de aprovecharse del éxito de la trilogía "Millenium", pero lo que sí es evidente es que no puedes verla sin que te vengan a la mente imágenes de la historia protagonizada por Lisbeth Salander. Hablando cinematográfica y no literariamente (no he leído ni unos ni otros libros) "Mýrin" (título original) se queda a la altura del betún. Aunque sí es cierto que la atmósfera creada y los paisajes islandeses te atrapan desde el minuto cero y hacen prever un producto interesante, finalmente, gracias al embrollo de tanto nombre y personaje y, aunque hayas entendido la historia, te despista mientras vas atando cabos.

Los personajes están construidos desde los tópicos de este tipo de cine; no obstante, la interpretación de Ingvar Eggert Sigurðsson, actor de renombre en Islandia y que da vida al protagonista de este thriller, es bastante notable.

Quizá si esta cinta se hubiera convertido en una miniserie de tres, cuatro o cinco capítulos habría estado mejor estructurada y no tan embotellada. Un 5'5 sobre 10.

10 de agosto de 2012

"Dolls". Caes tú, caemos los dos.

En 2002 llegó a nuestras pantallas "Dolls", película del actor y director japonés, Takeshi Kitano. Diez años después es una película que sigue siendo de culto y apareciendo en los rankings de lo mejor del cine asiático. Nunca me cansaré de reivindicar el cine oriental, aunque hace ya muchos años que él mismo se reivindicó.

Tres historias de amor con un nexo en común, el amor llevado a los extremos. Si dedicación, constancia y admiración son los ingredientes básicos para mantener viva la llama, Kitano nos lo muestra en tres actos intercalados. La belleza en la fotografía tanto con luz natural como artificial consigue que no le des marcha rápida en algunos fragmentos que llegan a cansar un poco, especialmente en una de esas tres relaciones amorosas. 

Todos somos como muñecos cuando comienza la chispa. Nos dejamos llevar tal y como hacen los titiriteros japoneses con sus figuras inertes pero capaces de transmitir. Parece que no tengamos vida, que necesitemos la ayuda de una mano para movernos y para sentir y hacer sentir. El comienzo de la película es magistral y el plano final majestuoso. Si te gusta el cine, en concreto el cine asiático, no dudes en verla, aunque quizás ya lo hayas hecho. Un 7 sobre 10.

¡No nos quitarán lo bailao!



9 de agosto de 2012

"La búsqueda". Los pasos de la redención.

No cabe duda de que Zhang Yimou ama su China, su China rural, sus costumbres, sus gentes, sus montañas, sus aldeas, todo lo "made in China"...pero, considero que da demasiadas pinceladas sobre la bondad de sus gentes y sus normas.

No sé si un acto de redención es un acto de cierto egoísmo; ¿buscas la aceptación de la persona dañada o buscas sentirte bien contigo mismo?. Considero que si no hay aceptación, no hay lugar para la redención.

Takata, un japonés al que su nuera le acaba de decir que su hijo, con el que no tiene trato desde hace tiempo, emprende un viaje a la China profunda con el propósito de grabar la ópera que tanto gustaba a su hijo y poder enseñársela antes de su muerte. Un hombre que proyecya la imagen de su propio hijo en un niño chino, al que da abrazos que ya perdió con su hijo, al que trata como nunca lo hizo a su hijo; un niño que en toda su inocencia ignora ser el poseedor de la llave del cuarto de la redención.

Un viaje a la redención dirigido enormemente por Yimou. Igualmente enorme es la interpretación de Takakura Ken como Takata, el padre viajero. Un bonito y emotivo final. Un 7 sobre 10.

8 de agosto de 2012

"Old boy". Un plato que se sirve frío.


Buen cine que bebe de otro buen cine pero que también goza de un sello diferenciador. Alusiones encuentro alguna al Hitchcock de "Recuerda" en los planos iniciales de los relojes así como en las escaleras que muestran el laberinto mental del protagonista; al Spike Jonze de "Cómo ser John Malkovich" (el escondrijo se encuentra en la séptima planta y media); al David Lynch de "Mulholland drive" en cuanto a los tonos rojizos de varias estancias de la película y en cuanto a la confusión al espectador de no saber realmente qué está pasando hasta bien llegado el tercer cuarto de la historia y, por último, al Quentin Tarantino de "Kill Bill" en cuanto a la crudeza de algunas escenas, al montaje y a la venganza en la que está inmerso el personaje principal.

El coreano Park Chan-wook nos sumerge en un universo oscuro en la que supone la seguna entrega de su triología sobre la venganza. 

Después de pasarse 15 años encerrado no saber dónde y, lo que es peor, no saber por cuánto tiempo, Dae-su Oh, no busca sólo respuestas sino venganza. Si la venganza es un plato que se sirve frío, él ha tenido quince años para interiorizarla y enfriarla, pero lo que no sabe es que fuera de ese agujero no va a ser más libre. La venganza no ha hecho más que comenzar.

Al brutal montaje y a una banda sonora acertadísima hay que añadir la sobresaliente interpretación de Choi Min-sik dando vida a Dae-su Oh. Unos primeros planos desgarradores.

A pesar de los esfuerzos de quien fuera presidente del Jurado en Cannes, de apellido Tarantino, "Old boy" no logró la Palma de Oro (se la llevó "Fahrenheit 9/11" de Michael Moore) y tuvo que conformarse con el Gran Premio del Jurado. Sí logró el galardón a Mejor Película en Sitges en 2004

Si te han gustado al menos dos de las películas a las que hago referencia en el primer párrafo, te gustará esta cinta coreana y, si te han gustado las cuatro, la verás más de una vez. Un 8 sobre 10.
(Ilustración cedida por Juanjo Casanova -mi cuñado-)

6 de agosto de 2012

"Take shelter". Tras la calma vuelve la tormenta.

El cine independiente americano también es capaz de ofrecernos productos que se salen de los moldes "indies" pero que, sin embargo, consiguen mantener su propia esencia. Alguien podría decirle al señor M.Night Shyamalan que eche un vistazo a esta película y aprenda que para hacer un buen thriller psicológico no hace falta tanta parafernalia ni tanto susto facilón; Jeff Nichols, director de esta cinta, podría darle algún apunte al respecto.

Es algo lenta, pero esa lentitud hace que te adentres poco a poco en la mente de una persona que sufre unas pesadillas apocalípticas. No se sabe si está enfermo o si realmente son imágenes premonitorias. Esa persona es Curtis, interpretado por Michael Shannon ("Boardwalk empire"...). Buena interpretación, así como la de Jessica Chastain ("El árbol de la vida", "Boardwalk empire"...) en el papel de Samantha, mujer de Curtis. Bueno él, mejor ella, aunque también es cierto que parece más sencillo hacer de mujer sufridora y prepleja que de hombre padecedor. En todo caso notables interpretaciones. 

La atmósfera que crea Jeff Nichols te atrapa y te mantiene alerta, porque aunque no creas en premoniciones sí consigue que no apartes la vista de la pantalla. La música ayuda y mucho. Un producto que sorprende y, a la vez, gratifica. Cosechó varios premios, cosa que me alegra. Un 7 sobre 10.

5 de agosto de 2012

"Ni uno menos". Educación para todos.

Zhang Yimou, como ya hiciera en su siguiente cinta "El camino a casa", abarca el tema de la educación en el mundo rural y/o marginal. En este caso es una niña de trece años que se ve obligada a sustituir al profesor titular de una escuela y, éste le promete 10 yuan si a su regreso permanecen en la escuela todos los niños. No se trata de dinero, se trata de no privar a nadie de un derecho fundamental como es la educación.

Partiendo de la base de que los actores no son profesionales, la sencillez en los diálogos, muchas veces redundantes, se pasa por alto. Wei Minzhi, la niña maestra, es la Wei Minzhi real, así como el alcalde y el niño rebelde que huye a la ciudad. Wei decide ir a la ciudad en busca del niño haciendo gala de un enorme tesón; es aquí donde la historia se traslada a un universo desconocido por los dos jóvenes protagonistas, un universo de coches, edificios altos y gente que únicamente ve en esos niños un incordio sin saber que en humanidad y valores no hay quien los gane. Yimou hace uso de cámaras ocultas que dan más realismo si cabe a las escenas.

Bailando entre el cine de ficción y el documental, Yimou realiza de manera sobresaliente, con algún exceso perdonable de moralina, un producto que emociona, transmite y da que pensar. Alguna secuencia es bella hasta decir basta. Un León de Oro del festival de Venecia más que merecido. Un 8 sobre 10.

28 de julio de 2012

"Like crazy". Binomio transatlántico.

Pocas veces una historia sobre el primer amor ha sido contada tan realista y sencillamente como lo hace Drake Doremus en este buen producto del cine independiente americano. 

A pesar de que una historia de amor entre dos jóvenes es difícil de contar sin caer en pastelismos ni ñoñerías, Doremus lo consigue. Sí peca un poco de los clichés establecidos del cine romántico, pero la belleza narrativa y visual consigue eclipsarlo.

Una pareja de guapa y guapo, Felicity Jones y Anton Yelchin, Anna y Jacob en la historia se enamoran en Loa Angeles. Ella está en la Universidad y él diseña muebles. El problema llega cuando acabada la carrera Anna debe volver a Londres, su ciudad natal. Los momentos vividos juntos y, sobretodo, los sentimeintos mutuos consiguen que esa relación transoceánica no se vaya a pique, aunque bien es sabido que la distancia hace el olvido o es la ¿distancia la que fortalece más aún esos sentimientos de necesidad?. Sea lo que sea y acabe como acabe la historia, merece ser vista. La manera de ser contada, tan sencilla como imprevisible (comparándola con otras pelis de la misma temática que sí son pastelones), la química que surge entre los dos intérpretes y, por extensión, entre los dos personajes y la posición de la cámara situándose en el lugar de un "vouyeur" imaginario hacen de este producto un producto interesante y satisfactorio para el espectador devorador de pastelitos (repito, éste no lo es) y para el amante de productos diferentes. Un 7 sobre 10.

"La isla (Seom)". Gore Ki-Duk. Gora Ki-Duk.

Si de algo sabe, y mucho, Kim Ki-duk es hablar a través de las imágenes. Cada corte entre plano y plano supone un silencio tan breve como el de respirar para seguir hablando. Su personaje principal, la propietaria de un negocio de pesca, no menciona una sola palabra en todo el metraje, quizá algún gemido de placer, de llanto o de dolor, pero nada más. Pero es con Ki-duk no hace falta nada más, al fin y al cabo las imágenes pueden llegar a ser más sugestivas que la palabra, y para muestra un botón.

Personajes llenos de dolor, llenos de culpa, deseosos de amar y ser amados y sedientos de sexo, de un sexo carnal y primitivo. Imágenes que difícilmente podrás olvidar salvo que, previamente, hayas apartado la mirada. Un escenario natural tan bello como misterioso, que recuerda al de "El arco" (también de Ki-duk) o más bien dicho, al revés, ya que "La isla" es cinco años mayor; incluso hay ciertas similitudes en el guión: pescadores que van a pescar y a pecar, personaje principal que no dice ni mú, obsesión por el sexo, hombres que creen poseer a la mujer (o viceversa)...

El clima que sabe crear este director coreano es digno de elogiar y, prueba de ello, están productos posteriores como "Samaritan girl", "Dream", "Time",...A día de hoy ninguno de sus trabajos ha llegado a la altura de "Hierro 3" pero sí ha conseguido grandes resultados de crítica y público. Un 6'5 sobre 10.

"El Havre". Inmigrante ayuda inmigrante.

Un drama humano suavizado con tintes cómicos sobre la inmigración ilegal. Gente que deja atrás su país natal pensando que llegar a Europa es llegar a la salvación.

Marcel Marx (André Wilms), inmigrante legal, antes escritor de cierta fama y ahora limpiabotas, ha elegido Le Havre, ciudad portuaria de la Alta Normandía francesa, para dedicarse al betún, trapo y esponja y, así, poder estar más cerca de la gente. Su vida se limita a su trabajo, al bar de la esquina y a su mujer, hasta que ésta cae enferma y es ahí cuando se le cruza en el camino un niño negro que ha conseguido escaparse del contenedor en el que venía dejando atrás a sus compatriotas.

La genial interpretación de André Wilms junto con la textura de la imagen, la estética que hace recordar el cine de los setenta y el humor ciertamente ácido, esta película finlandesa dirigida por Aki Kaurismäki, consigue que no te olvides de ese drama humano, sin caer en tremendismos, a la vez que te diviertes con las ocurrencias de Marcel y de otros tantos personajes de la historia, especialmente el del inspector (Jean-Pierre Darroussin). Buena película con mejores personajes. Un 7 sobre 10.

25 de julio de 2012

"Corre, Lola, corre". Ritmo, ritmo, ritmo.

El segundo largo de Tom Tykwer y, posiblemente, por el que comenzó a ser conocido este director alemán, no deja indiferente al espectador. Puede que haya quien piense que es chirriante y desquiciante, pero también habrá quien la considere una película casi de culto. 

Si algo tiene esta cinta es un ritmo frenético que no dejaría echar la siesta al más dormilón. Es como si se tratara de un videoclip de hora y cuarto, donde las imágenes van más rápido, si cabe, que la música electrónica. Se podría dividir en tres actos, cada uno de ellos siguiendo el mismo hilo argumental pero cambiando las consecuencias, como si Lola y su novio pudieran echar marcha atrás y elegir la opción que hará que salgan exitosos de la situación en la que se ven envueltos. Él necesita 100.000 marcos para saldar una deuda y ella no deja de correr a la vez que va improvisando de dónde sacarlos.

Si el "Efecto mariposa" dice que "el simple aleteo de una mariposa puede provocar un tsunami al otro lado del mundo", en "Corre, Lola, corre" nos demuestra que una pequeña alteración en el desarrollo de un día, puede tener enormes consecuencias, incluso marcar la diferencia entre la vida y la muerte. Y de eso trata esta película. Es un tema que ya hemos visto en otras películas como "Dos vidas en un instante" y "El efecto mariposa" entre otras..., pero en esta cinta alemana es donde, de una manera más directa, se nos muestra que aún cruzándote con las mismas personas en ese mismo día, todo depende de un solo movimiento en falso, un giro inesperado o un repentino pensamiento para que cambie el guión. 

Una Franka Potente, en el papel de Lola, marcando un estilismo agresivo (pelo rojo, tez pálida, pantalones verdes y una camiseta gris de tirantes) y un montaje trepidante hacen de esta cinta un producto indispensable del cine de los noventa, aquél en el que la narratividad, la estética y el ritmo de las imágenes comenzaron a alcanzar otra dimensión. Un 7'5 sobre 10.

22 de julio de 2012

"Heaven". La cámara toca el cielo.

Con guión de Krzysztof Kieslowski ("Tres colores: Azul, Blanco y Rojo", "La doble vida de Veronica"...) y de su guionista habitual Krzysztof Piesiewicz, Tom Tykwer ("El perfume", "La princesa y el guerrero", "Tres"...), toma las riendas de la dirección de una película si no sobresaliente sí notable.

Pocos directores mueven la cámara como él, pocos encuadran como él y pocos hacen un uso tan inteligente de la grúa como Tykwer. Planos espectaculares. Atención especial al plano del tren en el túnel. Ya lo demostró en su anterior "La princesa y el guerrero" y lo ha seguido haciendo hasta su última "Tres".

Cate Blanchett es una gran actriz, pero es en esta cinta alemana donde más me ha gustado. Los gestos de sufrimiento al enterarse de que es la causante de la muerte de cuatro personas son grandiosos. Le acompaña en pantalla un Giovanni Ribisi ("Lost in translation", "Avatar", o el hermano atontadillo de Phoebe en "Friends"...) de poco gesto en la cara pero que aun así llega a transmitir todos sus sentimientos: amor, ayuda, culpa...

Una película sobre cómo el amor puede unir a dos personas por el simple hecho de estar en el lugar y momento adecuado, aunque ese lugar sea una sala de interrogatorio y ese momento sea el propio interrogatorio a Philippa (Blanchett). Un final simbólico. ¿El amor está en el aire?. ¿Cuanto más alto podré volar?. Un 7'5 sobre 10.

21 de julio de 2012

"Exótico Hotel Marigold". ¿Exótico?. ¿Éxito?.


Un elenco de grandes actores y actrices desperdiciado por un flojo guión que no busca nada más allá del mero entretenimiento. Con una Judi Dench y un Tom Wilkinson notables a la cabeza de un gran reparto, es curioso que tratándose de una película británica, sea Dev Patel, el indio protagonista de "Slumdog Milionaire", el actor que mejores momentos aporta a la historia.

¿El resto?, pues eso, una comedia entretenida que, acercándose un poco a la temática de "Cocoon", no le llega ni a la suela de los zapatos. Tampoco es que aquella fuera una obra maestra, pero si es de esas películas a las que guardas cierto cariño y añoranza. Lo siento señor Madden, pero no, ha querido hacer algo tierno y simpático y le ha salido un garabato. Un 4'5 sobre 10.

16 de julio de 2012

"Viaje a Darjeeling". Tres hermanos y un destino.

Adrien Brody, Owen Wilson y Jason Schwartzman interpretan a Francis, Peter y Jack, los tres hermanos protagonistas de esta comedia de Wes Anderson. Tres hermanos que lo único que tienen en común es la sangre y el viaje en el que embarcan tras la muerte de su padre. Aunque el viaje no sale cómo ellos esperaban, sí que les sirve para unirse como tres piezas de un rompecabezas muy difícil de encajar.

A pesar de que esta cinta no está a la altura de "Los Tenembaums" ni de "Life aquatic", se vuelve a notar el sello de Anderson tanto en el continente como en el contenido. El tono amarillo, naranja y azul de los escenarios es característico del cine de Wes Anderson, así como la construcción de los personajes y los conflictos familiares que construyen el guión. Contando con un prólogo en forma de cortometraje titulado "Hotel Chevalier" interpretado por Jason Schwartzman y por Natalie Portman, tanto el corto como el largo se pueden ver de manera independiente sin necesitarse el uno al otro.

Una road movie entretenida, con sus buenos y malos momentos, pero que se deja ver y, más aun, si eres seguidor de este director de Houston que, casi nunca, deja indiferente al espectador. Un 6 sobre 10.

15 de julio de 2012

"Martha Marcy May Marlene". Hitchcock + Haneke.

Sin duda alguna uno de los mejores debuts cinematográficos del año. Sean Durkin se presenta al que será su público con una película ambientalmente inquietante. La sobriedad en el manejo de la cámara donde cada zoom, travelling o panorámica empiezan y terminan en el mejor de los encuadres (encuadres atípicos pero realistas), contribuye a crear una sensación de desasosiego muy similar al cine de Haneke, especialmente al de "Funny games". También vienen a la mente recuerdos sobre la película "Canino" del griego Giorgos Lanthimos (comentada en este blog). Hace unas cuantas décadas era Hitchcock el que sabía mover la cámara como si manejara tus propios ojos. Se nota que Durkin ha mamado cine y se ha quedado con lo mejor.

Si a un buen guión y a una buena técnica se le añade unas buenas interpretaciones, el resultado es una cinta que consigue hipnotizarte de principio a fin. Elizabeth Olsen (hermana de las gemelas Olsen de "Padres forzosos") hace una brillante interpretación trasmitiéndonos la inestabilidad emocional de su personaje. Un personaje que después de haber ingresado en una especie de comuna o secta donde de alguna manera viven algo más asalvajados, utilizando el temor como arma y sin apenas contacto con el mundo civilizado, decide escapar y volver a casa de su hermana. El montaje de esta película cobra un gran protagonismo pasando de un tiempo pasado (en esa comuna) a un tiempo presente (en casa de su hermana) de una manera tan sutil como inteligente. El final abierto que se nos presenta consigue que no nos desprendamos del film con facilidad. En esto, Sir Alfred Hitchcock, también era un genio.

Una nueva joya del cine independiente estadounidense recomendable a los seguidores de Haneke y Hitchcock y a los amantes de los thrillers psicológicos. ¡Un aplauso para Sean Durkin y su puesta de largo!. Un 7'5 sobre 10.

12 de julio de 2012

"Una mujer, una pistola y una tienda de fideos chinos". "Sangle" fácil.

¿Quién diría a los hermanos Coen, que tras 25 años del estreno de su ópera prima -quizá una de las mejores óperas primas del cine contemporáneo-, Zhang Yimou, un director chino de renombre, iba a hacer un remake de su "Sangre fácil"?.

Pero no es un remake al uso. Mientras que la "coeniana" era cine negro, un thriller brillante que acabó por convertirse en cine de culto, la de Yimou es un cinta oriental con un humor absurdo e infantil cuyos personajes, aunque a veces acertados, te hacen caer en el aburrimiento.

Tratándose de un film de Yimou, se echa de menos abundantes efectos especiales del tipo de "La casa de las dagas voladoras" y "Hero". Salvando la fotografía, los decorados y tres momentos visualmente brillantes, el resto no hace nada por sumar números a un film extrañamente recomendable. Un 5'5 sobre 10.

"El clan de los irlandeses". Penn y Oldman en "estado de gracia".

A pesar de contar con un elenco de actorazos de la altura de Sean Penn, Gary Oldman y Ed Harris (todavía hoy siguen dando grandes frutos); a pesar de tratarse de una película de mafia, a pesar de la música de Ennio Morricone, a pesar de una buena fotografía y, a pesar de las expectativas que me había creado, erperaba algo más de esta película de Phil Joanou; seguramente la culpa no la tendrá ni el director ni la película, sino mis propias expectativas.

No obstante es una buena película sobre un grupo de irlandeses que, habiendo creado su propia "familia", deambulan por las calles delinquiendo y matando personas como quien masca chicle después de fumarse un cigarro. Tiene alguna referencia a "El Padrino", no sé si consciente o inconscientemente, pero la tiene. En ciertos momentos también evoca a "The Goodfellas -Uno de los nuestros-"

Si el personaje de Gary Oldman, que aunque trabaje con genialidad, carga un poco bastante, el de Ed Harris no me lo acabo de creer como capo de ese clan, quizá le falte dureza en el rostro. Quien sí  borda su actuación elevándola al notable alto es un jovencito Sean Penn en el papel de Terry Noonan. Es de los pocos actores que es bueno desde que empezó y va mejorando con los años.

Desconozco si se había barajado la posibilidad que otro director asumiera la realización del proyecto, pero es evidente que Phil Joanou, habiendo podido estar entre los grandes del género habida cuenta de los ingredientes con los que contaba, no pasará a la historia como un gran realiador. Quizá debería echar la vista atrás y recordar lo bien que lo hizo en el documental sobre U2, "Rattle and hum". Quizá sea eso, que se le dé mejor el cine documental. Un 6'5 sobre 10.

11 de julio de 2012

"Academia Rushmore". Comedia algo diferente.

Quizá la película más floja de Wes Anderson, al menos de las disfrutadas por mí. Tal vez porque sólo era su segundo largometraje y, hasta hoy, lleva siete. Ha ido puliéndose película tras película.

Aunque en este film también hay mucho personaje, es el principal, el joven Max Fisher sobre el que recae toda la historia. Un Max Fisher interpretado por Jason Schwartzman (sobrino de Coppola e hijo de Talia Shire, la Connie Corleone de "El Padrino" o la Adrian de "Rocky"). Es cierto que, a pesar de su juventud (sólo contaba con 17 primaveras), es capaz de cargar con el guión a la espalda y ponerse a la altura de actorazos como el asiduo de Wes Anderson, Bill Murray.

Un alumno, Max, y el benefactor del colegio, el señor Blume (Bill Murray) se enamoran de la misma mujer, Miss Cross (Olivia Williams), profesora del colegio; uno por la novedad que supone el enamoramiento con 15 años y, el otro, porque su matrimonio hace tiempo que se fue al garete. A partir de ahí van surgiendo divertidos momentos. Este sería a grandes rasgos el telón de fondo de un drama convertido elegantemente en comedia. Un 6 sobre 10.

"Los Tenembaums". Peculiar familia.

Otro disparate del genial Wes Anderson. Según por donde se mire "disparate" podría ir a favor o en contra de la película. En mi caso es un genial disparate.

Si algo caracteriza a Anderson es la construcción de los personajes, unos personajes que, además de ser muchos, hacen sombra al guión y están limados hasta el límite. Cada uno tiene su peculiaridad y su protagonismo en la historia. Es de ese cine que si te gusta no quieres perderte ni un segundo del metraje. Mucho detalle en menos de dos horas.

La foto adjuntada me permite evitar hablar de los actores y actrices, considero que, salvo los niños, sobran las presentaciones. Mencionar especialmente el trabajo del grandísimo Gene Hackman. A pesar de que la comedia no sea su fuerte, teniendo en cuenta su filmografía, creo que anda varios escalones por encima del resto de intérpretes. Hace un papel que parece estar hecho a su medida, a su imagen y semejanza y, de hecho, se llevó algun premio por ello. Excelente.

El comienzo de la película, con esa presentación tan minuciosa de los personajes, recuerda un poco a la francesa "Amelie" de Jean-Pierre Jeunet. Casualmente ambas producciones son del mismo año, así que evitaremos especulaciones.

La banda sonora es otro plato fuerte en las películas de Wes Anderson y en ésta, no iba a ser menos. Divertida película aunque algunos puedan opinar totalmente lo contrario. Si te apetece ver un film que se sale de los moldes tradicionales de comedia, quizá sea ésta la película que andas buscando. Un 7'5 sobre 10.

10 de julio de 2012

"Hero" ("Ying Xiong"). Versos coloridos.

Si de algo se caracteriza el cine asiático es de su poesía visual y, posiblemente, uno de sus mejores poetas sea el chino Zhang Yimou. Si ya nos sorprendió y enriqueció Ang Lee con su "Tigre y dragón", Yimou le sigue o le pasa de muy cerca con su "Hero", una historia sobre los reinados chinos antes de su unificación. 

Independientemente de un argumento que pueda interesar más o menos atendiendo al perfil del espectador, se trata de un producto merecedor de ser disfrutado por cualquier persona merecedora de disfrutarlo. Yimou nos ofrece toda la gama de colores posibles casada a la perfección con unos efectos especiales asombrosos, una fotografía espectacular, unas batallas coreografiadas al milímetro y unos escenarios, naturales casi todos, bellos hasta decir "basta".

No me cansaré de decir que el cine asiático es una joya que, a pesar de ser para todo tipo de espectadores, es una minoría la que realmente lo sabe apreciar; minoría si la comparamos con el consumo masivo de productos "u.es.ei" comerciales que, como su nombre indica, tienen como único objetivo la recaudación. 

No es de extrañar que Zhang Yimou nos volviera a sorprender dos años más tarde con su cinta más conocida: "La casa de las dagas voladoras".

Si eres de los que piensa que cada película tiene su momento, no dudes ni un segundo en gozar de esta película un día de esos que dices: "me apetece ver una gran película". Un 7'5 sobre 10.

8 de julio de 2012

"Fantástico Mr.Fox". Fantástico Sr.Anderson.

Wes Anderson y Noah Baumbach repiten binomio, tras "The life aquatic with Steve Zissou", en el guión de "Fantástico Mr.Fox" sobre la novela "El superzorro" de Roald Dahl.

Una película de animación stop-motion que narra la historia de un astuto zorro, Mr.Fox, que tras enterarse de la noticia de que va a ser padre, decide abandonar el mundo de los robos de gallinas y demás animales de granja. Pero esa decisión parece no ser definitiva. Como fábula que es, entretiene, hace pensar y, sobretodo, enseña.

Aunque quizá una cinta de animación no ayuda demasiado a catalogar a un director de cine convencional, si ya has visto algo de Wes Anderson, apreciarás su sello...El tono de los diálogos, los planos que van moviéndose de manera frontal enseñando poco a poco los escenarios, el color de su fotografía, la utilización de la palabra "taco" en sustitución de cualquier taco real, consiguiendo así que los mayores lo pillen y los niños no escuchen el taco. "Me taco en la mar" es sólo un ejemplo de varios. Aunque fue "Up" la cinta que se alzó con la estatuilla a la mejor película de animación, no significa que "Fantástico Mr.Fox" sea menor, simplemente es distinta y no cuenta con el sello Pixar/Disney. Sobra decir que "Up" también me emocionó.

Una película de niños para mayores o una película de mayores para niños. Para mayores y para niños, lo dejaremos ahí. Personajes memorables, gags divertidísimos, ritmo de vértigo, música brillante de Alexander Desplat ("El discruso del rey", "El árbol de la vida", "El escritor"...) obligan al espectador a disfrutar como un enano. Una película de "taco" madre. Un 8 sobre 10.

"Les Lyonnais". El hampa lionesa.

Otra gran película del cine galo. Olivier Marchal dirige con maestría esta cinta que cuenta la historia de Los Lioneses, una banda criminal que llevó a cabo numerosos atracos en la Francia de los años setenta. Bajo las órdenes de Edmond Vidal "Momon", ya retirado del mundo de la delincuencia, el grupo debe reunirse de nuevo para sacar de prisión a su amigo y casi hermano Serge.

Con un montaje inteligente que nos enseña la preparación y ejecución del plan, también se nos narra la historia de este grupo desde su origen, como ya lo hiciera Coppola en la segunda parte de "El padrino"; de hecho si de algo peca esta película es de las numerosas referencias y/u homenajes que se le hace a la trilogía de Los Corleone. Hay una línea muy fina entre lo que puede ser un homenaje bien hecho o un abuso de los clichés de "El padrino". "Les Lyonnais" es una gran obra, pero quizás sería más grande si Coppola no hubiera llevado a cabo la producción de su trilogía.

Familia, amistad, traición, chivatos, torturas, sangre fría, asesinatos, lealtad, deslealtad, etc...son los ingredientes del cine negro, del cine de gangsters, pero es cierto que, al estar acostumbrados a historias del hampa de Chicago, Nueva York, Sicilia, Nápoles,...es lo que hace de este film, no un film único sobre la mafia francesa, pero sí, al menos, distinto.

Con un montaje que roza la vertiginosidad, una fotografía muy lograda y unas interpretaciones a la misma altura, esta cinta de Olivier Marchal debe ser disfrutada por los amantes del buen cine, en concreto del cine negro. Recomendable sin temor a reprimendas. Un 7'5 sobre 10.

"Los infieles". Ingrata sorpresa.

La sociedad Bercot-Cavallé-Courtès-Dujardin-Hazanavicius-Lartigau-Lellouche no funciona o no ha funcionado. Salvando algunos momentos sinceramente graciosos, la película como tal no va más allá del mero entretenimiento. Un proyecto con tanta cabeza pensante pocas veces funciona.

Varios capítulos de la vida de dos amigos que hacen gala de la infidelidad allí por donde pasan. Parece mentira que dos personas que acaban de salir exitosos de la gala de los últimos Oscars con "The artist", Hazanavicius como director y Dujardin como actor, se hayan embarcado en un proyecto tan falto de calidad como éste. Ni sé ni quiero saber los resultados de taquilla de este tubo francés, pero imagino que de no haber sido por el previo éxito de "The artist" no se habría comido ni un torrado. Para los buenos resultados en cuanto a calidad que está ofreciendo el cine francés en los últimos años, ésta en cuestión es la cinta que más me ha defraudado. Sí, los protagonistas son atractivos y se comen la cámara; pero además de eso y de alguna que otra carcajada no hay más. Un 4 sobre 10.

3 de julio de 2012

"The life aquatic with Steve Zissou". Color, color, color.


Wes Anderson ("Los Tenenbaums", "Fantástico Mr.Fox", "Moonrise kingdom"...) firma el guión y la dirección de esta película llena de color, de un color casi irreal. Noah Baumbach (director y guonista de "The squid and the whale: una historia de Brooklyn", también comentada en este blog) es también coguionista de esta hilarante y tan extraña película como interesante.

Fantástico Bill Murray sobre el que sobra poner referencias filmográficas, aunque quisiera añadir que a pesar de saltar a la fama por ser el cabeza pensante de "Los Cazafantasmas", luego le llegaron papeles mucho más interesantes, algunos de ellos dramáticos y, otros, todo lo contrario; para el que dude de las dotes interpretativas de este actor les aconsejo que vean "Lost in translation" de Sofia Coppola o "Flores rotas" de Jim Jarmusch. Aunque la comedia siempre ha sido su fuerte ("Atrapado en el tiempo", "Vaya par de idiotas", las que son a mi parecer sus mejores comedias), creo que ha demostrado con creces que es capaz de hacer lo que le echen y, además, salir muy airoso de la experiencia.

Cuando una idea es difícil de transmitir con palabras, más difícil es aún hacer una película sobre ella; y es aquí donde Wes Anderson, cargado de confianza, constancia y perseverancia se embarca en una aventura para que esa idea quede plasmada en el celuloide con un resultado mucho más que interesante. Aunque es claramente una comedia, es muy difícil de catalogar en el inmenso abanico que abarca dicho género; es transgresora, excéntrica y extravagante, es atrevida e hilarante y, con esos calificativos sumados se convierte en una asombrosa película de estética sin igual.

Si a tu mejor amigo se lo come una bestia marina de dudosa existencia en una expedición submarina y decides organizar otra expedición para encontrar al animal y matarlo como venganza debes llamarte Steve Zissou, porque dudo que otro ser racional sea capaz de montar la que monta Zissou (papel interpretado por Bill Murray). Junto a Murray y, casi siempre por debajo en cuanto a peso interpretativo, nos encontramos con un reparto de lujo: Anjelica Huston, Willem Dafoe, Owen Wilson, Cate Blanchet y un actor que siempre me ha gustado y le había perdido la pista, Jeff Goldblum.

Inteligente utilización de la banda sonora que cuenta con temas originales de David Bowie o versioneados por un brasileño de la tripulación con la única compañía de su guitarra. Una decisión con un resultado sorprendente.

Incatalogable pero atrevida cinta que cala en la vista y el oído del espectador. Un 7'5 sobre 10.

30 de junio de 2012

"Time". No sé quién soy, no sé quién eres...

Con imágenes verdaderamente impactantes de cirugía facial, Kim Ki-duk nos sumerge en un universo donde el tiempo no importa, todo es un bucle, por mucho que quieras dejar de ser tú, al final es contigo mismo con quien te vuelves a encontrar, porque aunque estemos hartos de escuchar el tópico de que el físico no es lo importante, Kim Ki-duk nos lo recuerda en esta enrevesada pero interesante historia donde pareces perder la pista de los personajes, de dudar si son ellos o no...

Las secuencias de la isla donde el amor y las locuras de éste quedan plasmadas en forma de esculturas embrujan y hechizan al espectador (Para curiosos: Parque de esculturas Baemigumi en la isla de Mo, Corea del Sur). Me han venido recuerdos del Hitchcock de "Recuerda", valga la redundancia, donde Gregory Peck se mueve entre decorados diseñados por Dalí.

Quizá la película de este director surcoreano (al menos de las que yo he visto) que sabes con más seguridad que no dejará indiferente a nadie. Para verla de nuevo y sacarle más jugo. Un 7 sobre 10.

"El camino a casa". Se hace camino al amar.

"Wo de fu qin mu qin" o su título en español "El camino a casa" es otra gran película del director chino Zhang Yimou ("La casa de las dagas voladoras", "Hero", entre otras...). Grande por su fotografía, grande por la inteligente utilización del color para el tiempo pasado y del blanco y negro para el tiempo presente como anunciando que cualquier tiempo pasado fue mejor y grande por hacer de una sencilla y bonita historia algo hermoso sin caer en el cursilismo o pastelismo.

Un camino adondequiera que vaya o de dondequiera que venga puede dejar huella en el caminante y, éste a su vez, en el camino. Éste, en concreto, vaya si deja huella en la protagonista que tantas veces lo recorrió, recorre y recorrerá para oír la voz de su amado o incluso para esperar su regreso.

La historia está contada en off por el hijo de ambos, el cual vuelve al pueblo tras la muerte de su padre con la intención de ofrecerle un digno funeral.

La sencillez de los planos concuerdan a la perfección con la sencillez de la historia. Una película sobre el amor y el respeto a un marido y a un padre tanto en vida como tras su muerte. Un 7 sobre 10.

23 de junio de 2012

"El arco". La Mowgli coreana.

Lo que no hay lugar a duda es que a Kim Ki-duk no le gusta la palabra, salvo en su "Arirang" (también comentada en este blog) donde es precisamente la palabra, su propia palabra, la protagonista de la película. En "El arco" no hay prácticamente diálogo, como viene siendo costumbre de este director surcoreano. De hecho la he visto en versión original sin subtítulos y puedo asegurar que no me he perdido nada de la historia. No quisiera imaginarme un hipotético trabajo conjunto de Kim Ki-duk y Woody Allen. Acabarían hospitalizados en un psiquiátrico.

Es la historia de un anciano que vive en un barco con una joven que rescató hace tiempo. Viven en medio del mar, como si de una pequeña isla se tratara. En el barco da cobijo esporádico a otros pescadores para que lo utilicen como muelle y pesquen en el centro de la inmensidad marina. El anciano protege a la muchacha de todo pescador que trata de propasarse con ella, pero esa protección no es más que un signo de posesión y envidia. Su único arma es un arco, hecho por él mismo y que, a la vez, lo utiliza como instrumento musical y como objeto con poderes adivinatorios. 

El único contacto con la civilización de la muchacha sucede cuando entre un grupo de pescadores llega un joven escuchando música en su mp3. Ella, inmediatamente, se enamora de él. (Hasta aquí puedo escribir)...

Kim Ki-duk sabe que contar historias es más imagen que palabra y en eso, en la imagen, es un poeta. Todas sus películas tienen su dosis poética con moraleja incluida. No estamos hablando de su mejor film, ni mucho menos, pero sí de un buen producto. Un 6 sobre 10

21 de junio de 2012

"Drei". Tres, three, trois, hiru...

La introducción de la película en la que a través del recorrido de un tendido eléctrico se definen las relaciones interpersonales hacen prever que se trata de una cinta merecedora de ser vista.

La propiedad transitiva dice que si A se acuesta con B y B lo hace con C, A se acuesta con C. Pues ese viene siendo el argumento de la película. Solo que aquí A y B son una pareja (heterosexual) ya establecida como tal aunque un tanto extraña. A conoce a C (otro hombre) y poco a poco va enamorándose de él hasta acabar en postura vertical y horizontal. El cuarto protagonista de la película es el capricho del destino que hace que B y C se conozcan en una piscina. Es en los vestuarios de la misma donde B empieza a descubrir su lado homosexual y donde empiezan a dar rienda suelta a sus deseos. A partir de aquí comienzas a preguntarte cómo leches acabará esto. Si mal, si bien, si eso es lo bueno o eso es lo malo.

De Tom Tykwer, ya me gustó su "Corre Lola corre", me gustó aún más su "La princesa y el guerrero", también "Winter sleepers", su capítulo de "Paris je t'aime" y, más comerciales, pero no por eso de baja calidad sino todo lo contrario "El perfume" y "The International", esta última su único film "made in USA". Lo que no cabe duda es que es un director que sabe mover la cámara y la sabe dejar quietita cuando debe hacerlo. Con más "altis" que "bajos" en su filmografía se trata de un director que hay que tener en cuenta si de verdad te gusta el cine. Un 7 sobre 10.

17 de junio de 2012

"Arirang". ¡Kim Ki-duk, levántate y dirige!.

Película extraña en la que Kim Ki-duk se graba, se pregunta y se responde a sí mismo utilizando la cámara a modo de espejo y, al mismo tiempo, de escaparate. Nos ofrece un autoretrato sobre su autodestrucción y su aislamiento debido, al parecer, por un suceso ocurrido durante el rodaje de "Dream" en el que casi muere una de las actrices. Se siente culpable y considera que hacer una película no es un "todo vale"...

Parece que quiera de esta manera despejar a su público y, sólo a su público, todas las dudas surgidas sobre la hibernación vacía de producto teniendo en cuenta que en tan sólo doce años han sido quince las películas suyas que han visto la luz y que, varias de ellas, también han iluminado. Fue en 2011, tres años después del estreno de "Dream" cuando decidió hacer este ejercicio de autoconfesión.  Los que lo seguimos y/o admiramos esperamos que no se trate más que una etapa de barbecho para que se levante más fuerte y vuelva a ser, al menos, el que era.

Peca un poco de egocentrismo ya que no se olvida de recordar al público los premios y reconocimientos que algunas de sus producciones han recibido a nivel internacional, a los cuales está profundamente agradecido ya que gracias a ellos empezó a ser reconocido en su Corea del Sur natal. No obstante es un ejercicio documental (o drama, como él lo llama) que sorprende en forma y en contenido. No duda en llorar si tiene que hacerlo así como en reirse de sí mismo, del despojo en el que se ha convertido. Tiene un inmenso temor a no poder ver la luz al final del túnel y defraudar a su público. Para los que duden o, simplemente desconozcan su filmografía, les recomiendo que cojan "Samaritan girl" o, sobretodo, "Hierro 3" y disfruten del potencial cinematográfico de este director surcoreano. Sólo apta para los que lo conocen. Un 6'5 sobre 10.

11 de junio de 2012

"Mirror mirror". Espejito espejito, valga la redundancia.


Una nueva versión del clásico "Blancanieves y los siete enanitos" de los Hermanos Grimm. El cuento como tal ya es archiconocido por todos, aunque en esta cinta se nos cuenta con alguna variación, desde el minuto uno sabemos que serán felices y comerán perdices. 

Quizás sea la película del indio Tarsem Singh que menos me ha gustado, pero el potencial visual que nos ofrece en la pantalla es merecedora de ser vista. Con una escenografía y un vestuario altamente cuidados, Singh nos traslada el cuento a la gran pantalla siguiendo fielmente su estilo, empeñado mucho más en el continente que en el contenido.

Los personajes principales son una Blancanieves de pobladas cejas pero de cara dulce, interpretada por Lily Collins, una reina temible y malvada a la par que guapa encarnada en la piel de la siempre bella Julia Roberts, un apuesto y torpe príncipe (Armie Hammer, -"J.Edgar") y siete "altos" enanos que son los encargados de poner la nota más cómica de la película.

Lo más extraño y chocante, pero desde mi punto de vista acertado, es el momento final con coreografía bollywoodiense. Singh ha querido hacer de esta manera un homenaje al cine de su país natal, lo cual no es reprochable porque visualmente tiene cabida en el film y porque visualmente también pocos pueden ponerse a la altura de Tarsem Singh. Un 5'5 sobre 10.

9 de junio de 2012

"Somewhere". No somos lo que tenemos sino lo que damos.

Sofia Copolla se la vuelve a jugar con una película de ritmo lento, escasos movimientos de cámara pero de lectura profunda y premiada con el León de Oro en Venecia en 2010. Tal y como demostró con "Lost in translation" aquí también nos ofrece la vacía vida de una estrella, en este caso de cine, que lo tiene todo, éxito profesional, éxito esporádico con las mujeres, un cochazo, mucho dinero y, lo que es mejor, una hija. Es precisamente la aparición de su hija, la que hace que se llegue a plantear lo vacía que es su vida y la necesidad que tiene de dar un giro de 180 grados. Uno no es lo que tiene sino lo que da y lo que podría dar si llevase otro estilo de vida.

Stephen Dorff interpreta a Johnny Marco, esa estrella de cine aparentemente feliz pero colmado de infelicidad. Con su interpretación consigue dar lástima, sobretodo cuando ejerce el papel de un padre con una buena y sana pero escasa relación con su hija. Consigue, a su vez, caer bien al espectador. Su notable interpretación baila entre lo cómico y lo dramático pero en justa armonía.

A Sofia Copolla le reprocharía la utilización sin mucho sentido de planos de extrema duración, de una duración no muy justificada, porque no generan tensión, ni drama, ni angustia, sino rabia e incredulidad. Eso se lo dejaremos a Haneke y al británico Steve McQueen. A su favor decir que a través de la simplicidad narrativa y técnica nos muestra una vez más la complejidad de la condición humana y la duda que nos llega en cierto momento de la vida sobre si subir al tren que llega y pasa o no. Un 5'5 sobre 10.

"Juana de Arco de Luc Besson". Oigo una voz.

Una película que, evidentemente, no desvela nada nuevo sobre la figura de Juana de Arco pero que la lleva a la gran pantalla con algunos altibajos, al menos, en cuanto a intensidad se refiere. Las batallas cuerpo a cuerpo están muy logradas y muy bien captadas por una cámara que se convierte en un soldado más del batallón. Se ve sangre, bastante, pero su presencia está más que justificada por lo que supuso la Guerra de los Cien Años.

Tenía ciertos prejuicios sobre que fuera Mila Jovovich la que se metiera en la piel de esta francesa del siglo XV tan creyente, tan visionaria, tan sufrida, tan valiente y tan "iluminada", pero he de reconocer que hace un papel bastante notable entre un elenco de actores (hombres casi todos ellos, excepto Faye Dunaway en un papel corto pero intenso) de la talla de Dustin Hoffman, John Malkovich o un todavía jovenzuelo Vincent Cassel. Me gustó en "El quinto elemento" y me ha gustado también en "Juana de Arco"...Los asomos de una modelo al mundo del cine siempre se miran con más lupa y, a mi parecer, Jovovich ha sabido desfilar en el cine tan bien como lo ha hecho en la pasarela.

Tratándose de una película del director de "Leon, el profesional", el francés Luc Besson, me esperaba algo más, justo lo contrario que me ocurrió con "León", que me esperaba algo menos y me encontré con algo grande, muy grande, de lo más grande.

Lo mejor, el ejercicio de Besson con la cámara, así como la fotografía y la puesta en escena de las batallas. Un 6 sobre 10.

6 de junio de 2012

"Ed Wood". A positivar...

Catalogado como el peor director de todos los tiempos; no Tim Burton, sino Ed Wood, pasó a convertirse, tras su muerte, en un director de culto de serie B. Lo único que podría salvar sus producciones era la creencia en sí mismo y su amistad con Bela Lugosi, el "Drácula" de Tod Browning, al que ofreció el papel protagonista en sus películas. Pero ni aun así consiguió hacer ninguna cinta digna de destacar. Me atrevo a añadir que se hizo mundialmente conocido a raíz de que Tim Burton decidiera llevar a la gran pantalla los andares de este peculiar director.

Bien dirigida y mejor interpretada, sobretodo por un Martin Landau en el papel de Bela Lugosi, es una película con buena dosis de humor que entretiene y que ha llegado a convertirse en la película de Tim Burton más de culto.

En cuanto a las interpretaciones, Martin Landau quita cierto protagonismo a un Johnny Depp en el papel de Ed Wood. No quiero ofender a los admiradores de Depp, pero creo que es uno de esos casos de endiosamiento que se hace a algunas estrellas del cine, que una vez te pones a examinar su carrera y su filmografía, te preguntas ¿por qué?. Siendo el actor fetiche de Tim Burton, Depp ha protagonizado siete cintas de Burton: Eduardo Manostijeras, Ed Wood, Sleepy Hollow, Charlie y la fábrica de chocolate, Sweeney Todd: el barbero diabólico de la calle Fleet, Alicia en el País de las Maravillas y Sombras tenebrosas, creo que es Johnny Depp el que debería estar más agradecido a Burton y no lo contrario. Al fin y al cabo es Tim Burton el que se ha convertido en un director de culto, sobretodo en el de animación y en el género fantástico. Habrá quien lo encumbre y habrá quien lo critique; yo, simplemente, afirmo que me parece uno de los directores con mayor imaginación y que hay producciones de él que me han hecho vibrar (especialmente las de animación) y otras que no tanto. Ed Wood, en concreto, me ha parecido una cinta mucho más que correcta que debe hacer gala de ese cine de culto que es. 

Junto a Landau y a Depp, nos encontramos con una Sarah Jessica Parker, que nada tiene que ver con la de Sexo en Nueva York, con Patricia Arquette y un Bill Murray en un pequeño papel pero siempre excelente.

¿Recomendable?. Yo creo que sí, al menos si quieres ser director de cine, sirve de manual de cómo no debes hacer una película. Lo mejor: la interpretación de Martin Landau, la fotografía y ciertos momentos llenos de comicidad. Lo peor: el encumbramiento de un Johnny Depp cuyas interpretaciones son correctas pero que, a mi parecer, no dicen nada más allá de la corrección. Un 6 sobre 10.

2 de junio de 2012

"300". Ajú, Ajú, Ajú. Sangre, gritos y tabletas de chocolate.

De Frank Miller, creador de "Sin city", llegó dos años más tarde la cinta del cómic "300". Una película de un guión flojo, una voz en off que chirría a pesar de ser muy ronca y unos cuerpos esculturales que rozan la irrealidad; pero en su favor diré que a nivel estético, visual y de efectos es deslumbrante.

Como vengo diciendo en opiniones anteriores, una película tiene muchos aspectos que pueden hacer de ella digna de ser admirada o rechazada. En este caso, lo que la salva a mis ojos es eso, la vista y el disfrute de una estética y unas coreografías que te hacen vibrar y que pocas veces he visto en la gran pantalla. Además, no siendo mi caso, es un escaparate de cuerpos, algo así como 300, con sus respectivas tabletas de chocolate a la altura del vientre que crees que no existen más que en los anuncios de calzoncillos y colonias masculinas.

En cuanto a la historia no es más que la puesta en escena de la batalla de las Termópilas en la que el rey Leónidas (Gerard Butler) y 300 soldados espartanos se enfrentaron en defensa de Grecia a los persas cuyo ejército era inmensamente superior, al menos en número. La condición de tipo duro del rey Leónidas acaba provocando risas en lugar de seriedad.

En fin, ¿si me ha gsutado?. Pues sí, porque a veces es mejor dejar que la mente duerma y sacar los ojos a pasear y ¿qué mejor que "300" para llevar a cabo tales acciones?. Un 7 sobre 10.

"Fast food nation". Ya lo sabíamos pero...

En la estructura piramidal en la que se basa el sistema empresarial, el que se encuentra muy cerca del vértice superior no tiene ni la más remota idea del trabajo y las condiciones laborales de la gente que trabaja en lo más bajo de esa pirámide y que, paradójicamente, son la base de la empresa, los soldados rasos, los peones, los currelas.

Que los Estados Unidos de América son la cuna de la comida rápida y, por lo tanto, de la comida basura, ya lo sabíamos. Quizás toda la cadena y sus "mafias" que va desde los ganados hasta que te sirven en bandeja de plástico la hamburguesa en cualquier restaurante "fast food", pasa más desapercibido a las mentes de los clientes que, gustosamente, dan el primer mordisco a esa masa cárnica de dudosa producción y procedencia.

Es una película que perfectamente se podría haber convertido en un documental pero para eso ya está "Supersize me", así que aquí nos topamos con actores de la talla de Greg Kinnear, Ethan Hawke, Patricia Arquette, Catalina Sandino Moreno ("María llena eres de gracia"...) y breves apariciones de Bruce Willis y Kris Kristoferson.

Una película coral que expone, de manera algo tremendista, al menos eso espero, todo el proceso encadenado de la hamburguesa. Bien hecha y bien contada por parte del director de "Antes del amanecer" y "Antes del atardecer". Un 6'5 sobre 10.