"Time". No sé quién soy, no sé quién eres...

Con imágenes verdaderamente impactantes de cirugía facial, Kim Ki-duk nos sumerge en un universo donde el tiempo no importa, todo es un bucle, por mucho que quieras dejar de ser tú, al final es contigo mismo con quien te vuelves a encontrar, porque aunque estemos hartos de escuchar el tópico de que el físico no es lo importante, Kim Ki-duk nos lo recuerda en esta enrevesada pero interesante historia donde pareces perder la pista de los personajes, de dudar si son ellos o no...

Las secuencias de la isla donde el amor y las locuras de éste quedan plasmadas en forma de esculturas embrujan y hechizan al espectador (Para curiosos: Parque de esculturas Baemigumi en la isla de Mo, Corea del Sur). Me han venido recuerdos del Hitchcock de "Recuerda", valga la redundancia, donde Gregory Peck se mueve entre decorados diseñados por Dalí.

Quizá la película de este director surcoreano (al menos de las que yo he visto) que sabes con más seguridad que no dejará indiferente a nadie. Para verla de nuevo y sacarle más jugo. Un 7 sobre 10.

"El camino a casa". Se hace camino al amar.

"Wo de fu qin mu qin" o su título en español "El camino a casa" es otra gran película del director chino Zhang Yimou ("La casa de las dagas voladoras", "Hero", entre otras...). Grande por su fotografía, grande por la inteligente utilización del color para el tiempo pasado y del blanco y negro para el tiempo presente como anunciando que cualquier tiempo pasado fue mejor y grande por hacer de una sencilla y bonita historia algo hermoso sin caer en el cursilismo o pastelismo.

Un camino adondequiera que vaya o de dondequiera que venga puede dejar huella en el caminante y, éste a su vez, en el camino. Éste, en concreto, vaya si deja huella en la protagonista que tantas veces lo recorrió, recorre y recorrerá para oír la voz de su amado o incluso para esperar su regreso.

La historia está contada en off por el hijo de ambos, el cual vuelve al pueblo tras la muerte de su padre con la intención de ofrecerle un digno funeral.

La sencillez de los planos concuerdan a la perfección con la sencillez de la historia. Una película sobre el amor y el respeto a un marido y a un padre tanto en vida como tras su muerte. Un 7 sobre 10.

"El arco". La Mowgli coreana.

Lo que no hay lugar a duda es que a Kim Ki-duk no le gusta la palabra, salvo en su "Arirang" (también comentada en este blog) donde es precisamente la palabra, su propia palabra, la protagonista de la película. En "El arco" no hay prácticamente diálogo, como viene siendo costumbre de este director surcoreano. De hecho la he visto en versión original sin subtítulos y puedo asegurar que no me he perdido nada de la historia. No quisiera imaginarme un hipotético trabajo conjunto de Kim Ki-duk y Woody Allen. Acabarían hospitalizados en un psiquiátrico.

Es la historia de un anciano que vive en un barco con una joven que rescató hace tiempo. Viven en medio del mar, como si de una pequeña isla se tratara. En el barco da cobijo esporádico a otros pescadores para que lo utilicen como muelle y pesquen en el centro de la inmensidad marina. El anciano protege a la muchacha de todo pescador que trata de propasarse con ella, pero esa protección no es más que un signo de posesión y envidia. Su único arma es un arco, hecho por él mismo y que, a la vez, lo utiliza como instrumento musical y como objeto con poderes adivinatorios. 

El único contacto con la civilización de la muchacha sucede cuando entre un grupo de pescadores llega un joven escuchando música en su mp3. Ella, inmediatamente, se enamora de él. (Hasta aquí puedo escribir)...

Kim Ki-duk sabe que contar historias es más imagen que palabra y en eso, en la imagen, es un poeta. Todas sus películas tienen su dosis poética con moraleja incluida. No estamos hablando de su mejor film, ni mucho menos, pero sí de un buen producto. Un 6 sobre 10

"Drei". Tres, three, trois, hiru...

La introducción de la película en la que a través del recorrido de un tendido eléctrico se definen las relaciones interpersonales hacen prever que se trata de una cinta merecedora de ser vista.

La propiedad transitiva dice que si A se acuesta con B y B lo hace con C, A se acuesta con C. Pues ese viene siendo el argumento de la película. Solo que aquí A y B son una pareja (heterosexual) ya establecida como tal aunque un tanto extraña. A conoce a C (otro hombre) y poco a poco va enamorándose de él hasta acabar en postura vertical y horizontal. El cuarto protagonista de la película es el capricho del destino que hace que B y C se conozcan en una piscina. Es en los vestuarios de la misma donde B empieza a descubrir su lado homosexual y donde empiezan a dar rienda suelta a sus deseos. A partir de aquí comienzas a preguntarte cómo leches acabará esto. Si mal, si bien, si eso es lo bueno o eso es lo malo.

De Tom Tykwer, ya me gustó su "Corre Lola corre", me gustó aún más su "La princesa y el guerrero", también "Winter sleepers", su capítulo de "Paris je t'aime" y, más comerciales, pero no por eso de baja calidad sino todo lo contrario "El perfume" y "The International", esta última su único film "made in USA". Lo que no cabe duda es que es un director que sabe mover la cámara y la sabe dejar quietita cuando debe hacerlo. Con más "altis" que "bajos" en su filmografía se trata de un director que hay que tener en cuenta si de verdad te gusta el cine. Un 7 sobre 10.

"Arirang". ¡Kim Ki-duk, levántate y dirige!.

Película extraña en la que Kim Ki-duk se graba, se pregunta y se responde a sí mismo utilizando la cámara a modo de espejo y, al mismo tiempo, de escaparate. Nos ofrece un autoretrato sobre su autodestrucción y su aislamiento debido, al parecer, por un suceso ocurrido durante el rodaje de "Dream" en el que casi muere una de las actrices. Se siente culpable y considera que hacer una película no es un "todo vale"...

Parece que quiera de esta manera despejar a su público y, sólo a su público, todas las dudas surgidas sobre la hibernación vacía de producto teniendo en cuenta que en tan sólo doce años han sido quince las películas suyas que han visto la luz y que, varias de ellas, también han iluminado. Fue en 2011, tres años después del estreno de "Dream" cuando decidió hacer este ejercicio de autoconfesión.  Los que lo seguimos y/o admiramos esperamos que no se trate más que una etapa de barbecho para que se levante más fuerte y vuelva a ser, al menos, el que era.

Peca un poco de egocentrismo ya que no se olvida de recordar al público los premios y reconocimientos que algunas de sus producciones han recibido a nivel internacional, a los cuales está profundamente agradecido ya que gracias a ellos empezó a ser reconocido en su Corea del Sur natal. No obstante es un ejercicio documental (o drama, como él lo llama) que sorprende en forma y en contenido. No duda en llorar si tiene que hacerlo así como en reirse de sí mismo, del despojo en el que se ha convertido. Tiene un inmenso temor a no poder ver la luz al final del túnel y defraudar a su público. Para los que duden o, simplemente desconozcan su filmografía, les recomiendo que cojan "Samaritan girl" o, sobretodo, "Hierro 3" y disfruten del potencial cinematográfico de este director surcoreano. Sólo apta para los que lo conocen. Un 6'5 sobre 10.

"Mirror mirror". Espejito espejito, valga la redundancia.

Una nueva versión del clásico "Blancanieves y los siete enanitos" de los Hermanos Grimm. El cuento como tal ya es archiconocido por todos, aunque en esta cinta se nos cuenta con alguna variación, desde el minuto uno sabemos que serán felices y comerán perdices. 

Quizás sea la película del indio Tarsem Singh que menos me ha gustado, pero el potencial visual que nos ofrece en la pantalla es merecedora de ser vista. Con una escenografía y un vestuario altamente cuidados, Singh nos traslada el cuento a la gran pantalla siguiendo fielmente su estilo, empeñado mucho más en el continente que en el contenido.

Los personajes principales son una Blancanieves de pobladas cejas pero de cara dulce, interpretada por Lily Collins, una reina temible y malvada a la par que guapa encarnada en la piel de la siempre bella Julia Roberts, un apuesto y torpe príncipe (Armie Hammer, -"J.Edgar") y siete "altos" enanos que son los encargados de poner la nota más cómica de la película.

Lo más extraño y chocante, pero desde mi punto de vista acertado, es el momento final con coreografía bollywoodiense. Singh ha querido hacer de esta manera un homenaje al cine de su país natal, lo cual no es reprochable porque visualmente tiene cabida en el film y porque visualmente también pocos pueden ponerse a la altura de Tarsem Singh. Un 5'5 sobre 10.

"Somewhere". No somos lo que tenemos sino lo que damos.

Sofia Copolla se la vuelve a jugar con una película de ritmo lento, escasos movimientos de cámara pero de lectura profunda y premiada con el León de Oro en Venecia en 2010. Tal y como demostró con "Lost in translation" aquí también nos ofrece la vacía vida de una estrella, en este caso de cine, que lo tiene todo, éxito profesional, éxito esporádico con las mujeres, un cochazo, mucho dinero y, lo que es mejor, una hija. Es precisamente la aparición de su hija, la que hace que se llegue a plantear lo vacía que es su vida y la necesidad que tiene de dar un giro de 180 grados. Uno no es lo que tiene sino lo que da y lo que podría dar si llevase otro estilo de vida.

Stephen Dorff interpreta a Johnny Marco, esa estrella de cine aparentemente feliz pero colmado de infelicidad. Con su interpretación consigue dar lástima, sobretodo cuando ejerce el papel de un padre con una buena y sana pero escasa relación con su hija. Consigue, a su vez, caer bien al espectador. Su notable interpretación baila entre lo cómico y lo dramático pero en justa armonía.

A Sofia Copolla le reprocharía la utilización sin mucho sentido de planos de extrema duración, de una duración no muy justificada, porque no generan tensión, ni drama, ni angustia, sino rabia e incredulidad. Eso se lo dejaremos a Haneke y al británico Steve McQueen. A su favor decir que a través de la simplicidad narrativa y técnica nos muestra una vez más la complejidad de la condición humana y la duda que nos llega en cierto momento de la vida sobre si subir al tren que llega y pasa o no. Un 5'5 sobre 10.

"Juana de Arco de Luc Besson". Oigo una voz.

Una película que, evidentemente, no desvela nada nuevo sobre la figura de Juana de Arco pero que la lleva a la gran pantalla con algunos altibajos, al menos, en cuanto a intensidad se refiere. Las batallas cuerpo a cuerpo están muy logradas y muy bien captadas por una cámara que se convierte en un soldado más del batallón. Se ve sangre, bastante, pero su presencia está más que justificada por lo que supuso la Guerra de los Cien Años.

Tenía ciertos prejuicios sobre que fuera Mila Jovovich la que se metiera en la piel de esta francesa del siglo XV tan creyente, tan visionaria, tan sufrida, tan valiente y tan "iluminada", pero he de reconocer que hace un papel bastante notable entre un elenco de actores (hombres casi todos ellos, excepto Faye Dunaway en un papel corto pero intenso) de la talla de Dustin Hoffman, John Malkovich o un todavía jovenzuelo Vincent Cassel. Me gustó en "El quinto elemento" y me ha gustado también en "Juana de Arco"...Los asomos de una modelo al mundo del cine siempre se miran con más lupa y, a mi parecer, Jovovich ha sabido desfilar en el cine tan bien como lo ha hecho en la pasarela.

Tratándose de una película del director de "Leon, el profesional", el francés Luc Besson, me esperaba algo más, justo lo contrario que me ocurrió con "León", que me esperaba algo menos y me encontré con algo grande, muy grande, de lo más grande.

Lo mejor, el ejercicio de Besson con la cámara, así como la fotografía y la puesta en escena de las batallas. Un 6 sobre 10.

"Ed Wood". A positivar...

Catalogado como el peor director de todos los tiempos; no Tim Burton, sino Ed Wood, pasó a convertirse, tras su muerte, en un director de culto de serie B. Lo único que podría salvar sus producciones era la creencia en sí mismo y su amistad con Bela Lugosi, el "Drácula" de Tod Browning, al que ofreció el papel protagonista en sus películas. Pero ni aun así consiguió hacer ninguna cinta digna de destacar. Me atrevo a añadir que se hizo mundialmente conocido a raíz de que Tim Burton decidiera llevar a la gran pantalla los andares de este peculiar director.

Bien dirigida y mejor interpretada, sobretodo por un Martin Landau en el papel de Bela Lugosi, es una película con buena dosis de humor que entretiene y que ha llegado a convertirse en la película de Tim Burton más de culto.

En cuanto a las interpretaciones, Martin Landau quita cierto protagonismo a un Johnny Depp en el papel de Ed Wood. No quiero ofender a los admiradores de Depp, pero creo que es uno de esos casos de endiosamiento que se hace a algunas estrellas del cine, que una vez te pones a examinar su carrera y su filmografía, te preguntas ¿por qué?. Siendo el actor fetiche de Tim Burton, Depp ha protagonizado siete cintas de Burton: Eduardo Manostijeras, Ed Wood, Sleepy Hollow, Charlie y la fábrica de chocolate, Sweeney Todd: el barbero diabólico de la calle Fleet, Alicia en el País de las Maravillas y Sombras tenebrosas, creo que es Johnny Depp el que debería estar más agradecido a Burton y no lo contrario. Al fin y al cabo es Tim Burton el que se ha convertido en un director de culto, sobretodo en el de animación y en el género fantástico. Habrá quien lo encumbre y habrá quien lo critique; yo, simplemente, afirmo que me parece uno de los directores con mayor imaginación y que hay producciones de él que me han hecho vibrar (especialmente las de animación) y otras que no tanto. Ed Wood, en concreto, me ha parecido una cinta mucho más que correcta que debe hacer gala de ese cine de culto que es. 

Junto a Landau y a Depp, nos encontramos con una Sarah Jessica Parker, que nada tiene que ver con la de Sexo en Nueva York, con Patricia Arquette y un Bill Murray en un pequeño papel pero siempre excelente.

¿Recomendable?. Yo creo que sí, al menos si quieres ser director de cine, sirve de manual de cómo no debes hacer una película. Lo mejor: la interpretación de Martin Landau, la fotografía y ciertos momentos llenos de comicidad. Lo peor: el encumbramiento de un Johnny Depp cuyas interpretaciones son correctas pero que, a mi parecer, no dicen nada más allá de la corrección. Un 6 sobre 10.

"300". Ajú, Ajú, Ajú. Sangre, gritos y tabletas de chocolate.

De Frank Miller, creador de "Sin city", llegó dos años más tarde la cinta del cómic "300". Una película de un guión flojo, una voz en off que chirría a pesar de ser muy ronca y unos cuerpos esculturales que rozan la irrealidad; pero en su favor diré que a nivel estético, visual y de efectos es deslumbrante.

Como vengo diciendo en opiniones anteriores, una película tiene muchos aspectos que pueden hacer de ella digna de ser admirada o rechazada. En este caso, lo que la salva a mis ojos es eso, la vista y el disfrute de una estética y unas coreografías que te hacen vibrar y que pocas veces he visto en la gran pantalla. Además, no siendo mi caso, es un escaparate de cuerpos, algo así como 300, con sus respectivas tabletas de chocolate a la altura del vientre que crees que no existen más que en los anuncios de calzoncillos y colonias masculinas.

En cuanto a la historia no es más que la puesta en escena de la batalla de las Termópilas en la que el rey Leónidas (Gerard Butler) y 300 soldados espartanos se enfrentaron en defensa de Grecia a los persas cuyo ejército era inmensamente superior, al menos en número. La condición de tipo duro del rey Leónidas acaba provocando risas en lugar de seriedad.

En fin, ¿si me ha gsutado?. Pues sí, porque a veces es mejor dejar que la mente duerma y sacar los ojos a pasear y ¿qué mejor que "300" para llevar a cabo tales acciones?. Un 7 sobre 10.

"Fast food nation". Ya lo sabíamos pero...

En la estructura piramidal en la que se basa el sistema empresarial, el que se encuentra muy cerca del vértice superior no tiene ni la más remota idea del trabajo y las condiciones laborales de la gente que trabaja en lo más bajo de esa pirámide y que, paradójicamente, son la base de la empresa, los soldados rasos, los peones, los currelas.

Que los Estados Unidos de América son la cuna de la comida rápida y, por lo tanto, de la comida basura, ya lo sabíamos. Quizás toda la cadena y sus "mafias" que va desde los ganados hasta que te sirven en bandeja de plástico la hamburguesa en cualquier restaurante "fast food", pasa más desapercibido a las mentes de los clientes que, gustosamente, dan el primer mordisco a esa masa cárnica de dudosa producción y procedencia.

Es una película que perfectamente se podría haber convertido en un documental pero para eso ya está "Supersize me", así que aquí nos topamos con actores de la talla de Greg Kinnear, Ethan Hawke, Patricia Arquette, Catalina Sandino Moreno ("María llena eres de gracia"...) y breves apariciones de Bruce Willis y Kris Kristoferson.

Una película coral que expone, de manera algo tremendista, al menos eso espero, todo el proceso encadenado de la hamburguesa. Bien hecha y bien contada por parte del director de "Antes del amanecer" y "Antes del atardecer". Un 6'5 sobre 10.