"El hombre sin pasado". Corea Vs Hollywood.

Aunque se nos cuenta una historia infinitamente recurrida en el cine es un film imprescindible dentro del género del thriller. No sé si es porque los orientales (en este caso el surcoreano Lee Jeong-beom, su director) son más sensibles a la hora de contar las historias y cuidan más los detalles, pero lo que está claro es que no tiene nada que envidiar al mejor thriller hollywoodiense. El detalle de la uña pintada es admirable.

Una niña consigue que Cha Tae-sik (Won Bin), ex-agente especial vuelva a pisar el suelo de la realidad del que se había abstraido tras sufrir un atentado en el que asesinan a su mujer embarazada. Mafia, drogas, niña, ex-agente especial, asesinatos, sangre,..., son los ingredientes de muchos platos que se han servido en salas de cine, pero "El hombre sin pasado" tiene algo que la hace distinta y no, no es su nacionalidad, es algo que la hace más profunda, que llega más allá, al estilo de "Leon, el Profesional".

Si te gustó la obra maestra del francés Luc Besson o la trilogía alargada de Jason Bourne y, además no te importa ver cine coreano porque lo sabes apreciar, disfrutarás con esta nueva "joyita" del cine asiático. Un 7 sobre 10.

"Sympathy for Lady Vengeance". El alter ego coreano de Tarantino.

Si Quentin Tarantino tiene un alter ego en la otra parte del mundo, no puede ser otro que el surcoreano Park Chan-wook. 

En la tercera parte de su trilogía sobre la venganza ("Sympathy for Mr.Vengeance"+"Old boy" (también comentada en este blog)+"Sympathy for LadyVengeance"), Chan-wook da rienda suelta a un sinfín de recursos cinematográficos que no hacen más que añadir valor al conjunto del film. 

Si todos hemos pensado más de una vez que si en vez de juzgar a alguien por algún crimen cometido lo dejaran maniatado en medio de un lugar público al servicio de la gente, Chan-wook nos lo cuenta en imágenes. Partiendo de un guión un tanto enrevesado pero entendible al 100%, es decir, currado a conciencia, el espectador se mete de lleno en la historia hasta llegar incluso a permitirse el lujo de no querer mirar ciertas imágenes. La película es macabramente bella o bellamente macabra, según se mire. 

Recomendable para todo aquel que también disfrute del cine de Tarantino. Sabes que vas a ver sangre pero también eres conocedor que vas a disfrutar viéndola (la película, quiero decir, ejem...).

Lee Young-ae se mete en la piel de Lady Vengeance de una manera sobresaliente. La transformación de su personaje es brutal. Sin duda alguna lleva el peso de la película. La banda sonora vuelve a tener su protagonismo y encaja a la perfección. Aunque no he visto la primera de la trilogía, "Sympathy for Mr. Vengeance"- en este caso el orden no altera el producto- la tengo en la parrilla de salida y, como es de esperar, mis expectativas están a la altura de mi valoración de las otras dos. 

Algunas escenas son verdaderamente estremecedoras a la par que brillantes. Gran cine surgido de una gran mente devoradora de cine; algo así como Tarantino. Un 8 sobre 10.

"The Joneses". Una comercial familia.

A pesar de partir de un planteamiento original manteniéndote alerta sobre qué está pasando o sobre qué va a pasar, la película va decayendo poco a poco hasta convertirse en algo perfectamente prescindible.

Los diálogos son como un spot publicitario de hora y media que, aunque vengan a cuento por la temática de la película, cansan. Eso acompañado de la posiblemente peor interpretación de una Demi Moore prácticamente desaparecida del mundo del celuloide (al menos del que más suena) hasta ser rescatada para "Margin call" (también comentada en este blog), hacen que vayas echando pestes conforme avanza el metraje. Y no por la calidad de la película, que también, sino por las expectativas que vas creándote durante los diez primeros minutos de película.

Junto a Demi Moore nos encontramos con los también guapos David Duchovny ("Expediente X", "Californication"...), Amber Heard y Ben Hollingsworth.

Se trata del debut cinematográfico del director Derrick Borte. Le aconsejo desde mi ignorancia que en el próximo guión que escriba se curre un poco más los diálogos y que elimine de la historia toda aquella secuencia que no aporta nada más que metraje a la cinta. Un 4 sobre 10.

"Luces rojas". Farolillo rojo.

Tras haber cosechado mucho éxito de público y de crítica con "Buried", Rodrigo Cortés ha vuelto a la gran pantalla con "Luces rojas" y no, no podemos decir que está a la altura de su anterior proyecto. A pesar de haber demostrado al espectador que es capaz de hacer una película mucho más que interesante con un solo protagonista y en el espacio reducido de un ataúd, no parece haber seguido en la misma onda.

Contando con actores de gran talla como Robert De Niro -ahí es nada- y Sigourney Weaver no está todo hecho, hace falta un buen guión que esté al menos a la altura de sus intérpretes. Buena dirección desperdiciada en un guión que no alcanza la sorpresa ni siquiera en su "sorprendente" final. Golpes musicales al estilo Shyamalan que no sobresaltan. Quizá lo más entretenido y prometedor sea la sesión de espiritismo de la secuencia inicial.

De los tres largos de Cortés, éste ha sido sin duda el que menos me ha interesado y con el que más expectativas me había creado; y es que después de sorprenderme con "El concursante", de vibrar con "Buried", y contando en este último con De Niro y Weaver es imposible no crearse expectativas. A pesar de todo, considero que Rodrigo Cortés tiene cine en las venas y todavía tiene mucho que decir en forma de películas. Un 5'5 sobre 10.

"El solista". Talento desperdiciado.

Joe Wright, director entre otras de "Expiación" y "Orgullo y prejuicio", a pesar de contar con dos pesos pesados como Jaimie Foxx y Robert Downey Jr., nos ofrece su quiero y no puedo.

El film tiene todos los ingredientes para convertirse en algo grande: además de las dos interpretaciones -de Foxx como Nathaniel Ayers, espléndido violinista, esquizofrénico y "sintecho", y Downey Jr. como Steve Lopez, periodista de Los Angeles Times que descubre al talentoso Nathaniel-, una historia más que atractiva y una banda sonora emocionante. 

Aún así, Wright no ha sabido exprimir todos esos elementos, quiere emocionar y lo consigue a duras penas y en contadas ocasiones. Jaime Foxx, quien ya ganara un Oscar por su papel de Ray Charles en "Ray", bien podría haber vuelto a optar a la estatuilla si se le hubiera dirigido bien. Es ese tipo de papel que gusta a la Academia y, más aún, al público. 

La película entretiene pero si lo que buscas es emoción aconsejo que rebusques en la videoteca y hagas un revisionado de "Shine" (también comentada en este blog); quizás si Joe Wright lo hubiera hecho, habría sacado mucha más punta al personaje principal. Un 5 sobre 10.

"El primer día del resto de tu vida". Pasa la vida.

La vida no es más que eso, un sinfín de situaciones que nos agradan o nos disgustan que no hacen más que crear lo que fuimos, somos o seremos. 

Rémi Bezançon, realizador francés de la también comentada en este blog "Un feliz acontecimiento", nos repasa un día en concreto de cada uno de los miembros de la familia Duval a lo largo de doce años. Jaques Gamblin, Zabou Breitman, Déborah François, Marc-André Grondin, Pio Marmaï, son los actores que dan vida al matrimonio y a sus tres hijos. 

Aunque sí parte de cierta moralina familiar, está muy bien narrada, tiene momentos verdaderamente grandiosos como el plano en que la madre está desinflando el cojín del taxi de su marido, entre otros. Los actores, cada uno en su lugar, están notables. Una comedia francesa abordada con sensibilidad y no sensiblería que agradará a todo aquel que piense que cada vez más el cine europeo no tiene nada que envidiar al americano, si es que alguna vez lo tuvo.

"Le premier jour du reste de ta vie" deja satisfecho de haber visto buen cine sin demasiado aspaviento. Música más que acertada. Un 6'5 sobre 10.

"Jeff y los suyos". ¿Señales?, haberlas haylas.

Jason Segel es conocido sobre todo por la exitosa serie "Cómo conocí a vuestra madre" y, aunque tenga ya en sus espaldas varios largos, de momento a su carrera no se le puede llamar meteórica. Aquí da vida a Jeff, un papel cómico y dramático en la misma medida. Su cara y su personaje transmiten simpatía y bondad.

Los hermanos Duplass, Mark y Jay, "firmantes" y "filmantes" de la agradable y soprendente "Cyrus", continúan en la senda del cine independiente pasito a pasito hasta que llegue el día que por hacer una película con gran éxito de taquilla, la gente querrá ver sus trabajos anteriores y pensarán que ya eran buenos entonces. Ambas tienen en común unos personajes singulares que se escapan del canon establecido de "gente normal", una relación madre-hijos no muy común y, como no, ese tono y ambientación que tienen la mayoría de películas "indies".

Una madre y dos hijos que a pesar de su distancia moral y/o física, luchan contra el desarraigo familiar. Jeff piensa que las señales le llevarán al punto de partida de una nueva vida sin saber que ese punto puede ser volver al inicio.

Hay secuencias que podrían sobrar, pero hay otras que son dignas de recordar como la de Susan Sarandon (madre de los dos protagonistas) empapada en la silla de su trabajo mientras sus compañeros huyen despavoridos por el aviso de un incendio en el edificio.

Si el cine ha dejado un hueco a otros hermanos (Coen, Farrelly, Wachowski, Scott,...), que haga más hueco todavía a estos Duplass que pintan muy pero que muy bien.

Lo mejor: algunas secuencias que emocionan, la música y la interpretación de Jason Segel. Lo peor: algunas secuencias protagonizadas por Ed Helms (hermano de Jeff en la película) que, aunque acabe por gustar su personaje, su presentación echa un poco para atrás. Un 6'5 sobre 10.

"Starbuck". Semental Wozniak.

Ken Scott, realizador proviniente de la televisión, debuta en el largo con "Starbuck", una película canadiense que parte de una idea algo destartalada pero que la va ordenando y estabilizando conforme se desarrolla el metraje.

David Wozniak, un cuarentón que dedicó buena parte de su adolescencia a la donación de semen, es sorprendido por un gerente de la clínica anunciándole que tiene 533 hijos, de los cuales 142 lo quieren conocer.

Patrick Huard es el encargado de dar vida a Wozniak. Es quizás lo mejor de la película. Su cara está llena de comicidad. La primera parte del film es comedia pura y dura, al estilo cine independiente americano, pero en la segunda mitad da un salto al drama que podría ser reprochable y, si no, es porque sigue teniendo destellos que provocan la risa y, a veces, la carcajada.

Los personajes y ciertos pasajes hacen de esta película una película para pasar un buen rato, no alcanza la perfección, por supuesto, pero sí que deja en el espectador una sonrisita en la cara incluso pasados unos días desde su viosionado. Un 6'5 sobre 10.

"Un feliz acontecimiento". Hormonas en montaña rusa.

Una pareja se conoce en un videoclub y concretan una cita haciendo uso de los títulos de las películas. Una idea ingeniosa.

Quedarse embarazada, un proceso de cambios, de muchos cambios, físicos y hormonales, de espacio y de tiempo...

Tema hecho celuloide en innumerables ocasiones, pero pocas veces lo verás contado de una forma tan natural como aquí. No sólo se nos muestra lo bonito que debe ser un embarazo, sino que también te muestra el desequilibrio hormonal que sufre la mujer y con ello el desequilibrio emocional hacia sus seres queridos. El problema no es que te cambie la vida, sino simplemente no saber adaptarse con ilusión a esos cambios, seguir llevando el mismo ritmo de vida que llevabas antes de esos nueve meses de gestación o ver en tu propio hijo a una especie de ladrón del espacio y del tiempo.

Aunque está repleta de tópicos sobre la maternidad/paternidad, no escucharás más de los que surgieron durante las treinta y ocho semanas más cuatro días de embarazo de tu propia pareja. Eso es así. Parece que todo el mundo (incluido hombres) hayan estado embarazados al menos una vez en su vida.

La película se hace simpática en la gran parte de su metraje. Con cierta comedia y algo de drama. La interpretación de Louise Bourgoin en el papel de Barbara, la futura madre, es natural como la vida misma, como un embarazo mismo. Se come la historia ella solita. Nicolas (Pio Marmaï), su pareja, aunque algo por debajo de ella, su personaje también se hace atractivo. No perder detalle de la madre de ella; pequeña pero brillante participación de Josiane Balasko.

Remi Bezançon, director que ya obtuvo cierto éxito con su inmediatamente anterior "El primer día del resto de tu vida" no nos descubre nada nuevo pero sí lo transmite con una naturalidad que bien agradece el espectador. Un 6'5 sobre 10.

"Shine". Geoffrey Rush deslumbra.

Un por entonces desconocido actor australiano de nombre Geoffrey y de apellido Rush se mete brillantemente en la piel de un excelente y demente pianista, David Helfgott. Demente por la severidad de un padre que quería a su hijo, que sentía un extraño orgullo hacia él, que quería que triunfara pero no mucho más allá de las cuatro paredes de su casa y, mucho menos, lejos de su país.

Los otros dos actores que interpretan al David niño (Alex Rafalowicz) y al David adolescente (Noah Taylor) están casi a la altura de Rush. Pocas películas considero recomendables por la interpretación de un actor, al margen del guión, fotografía, etc..., pero es que si además de una historia atractiva podemos disfrutar del "trabajazo" de Geoffrey Rush, pues mejor que mejor. Es curioso que para haber saltado a la fama mundial en 1996 (sólo hace 16 años), me da la sensación de que es un actor de los de toda la vida, y es que después de este su posiblemente mejor papel, le llegaron muchos otros de gran nivel: "Shakespeare in live", "Elizabeth", "Piratas del Caribe", "Llámame Peter", "Munich", "El discruso del rey"..., ahí es nada. También cabe destacar el papel del padre severo de David, Armin Mueller-Stahl; grandioso.

Al margen interpretativo, la historia, basada en hechos reales, es de esas historias que suelen agradar al espectador sobre niños prodigio, en este caso, del piano. Muy bien estructurada y con más de tres grandes momentos (destaco cuando toca "El vuelo del moscardón" de Rimsky-Korsakov en un restaurante ante el asombro de los presentes; absolutamente brillante), gusta y emociona. Un 7'5 sobre 10.

"Margin call". Cavando hondo.

Buen debut de J.C. Chandor en la direccion y un elenco de actores a los que no se les puede pedir más; dan lo que esperas de ellos aun sabiendo que lo que esperas es mucho. Si alguno destaca sobre los demás ese es el siempre excelente Kevin Spacey..., pero ninguno se queda lejos de él: Jeremy Irons, Paul Bettany, Simon Baker ("El metalista"...), Stanley Tucci y Demi Moore están más que dentro de las exigencias del espectador.

Horas antes del caos financiero de 2008, un grupo de inversores demuestran que ante la mesa de un ordenador pueden cambiar no sólo sus vidas sino la del resto de la población mundial. 

Con diálogos acertados que no aburren con términos económicos que sólo conocen los del gremio sino que hacen aún más atractiva la trama de la historia, tristemente inspirada en hechos reales, hacen de esta cinta, junto con las grandes interpretaciones, un producto algo más que interesante. Ver al personaje de Kevin Sapcey cavando un hoyo no tiene precio. Un 7 sobre 10.

"Lulú on the bridge". Y la música dejó de sonar.

Harvey Keitel interpreta a un famoso saxofonista que una noche es herido de gravedad tras un tiroteo producido en el local donde actuaba. La música es su vida, está divorciado y es cuando ve cerca su muerte cuando decide aferrarse a la vida. Se hace con una caja que contiene una piedra azul que provoca una especie de orgasmo amoroso a aquellos que la contemplan. Una piedra tan irreal como parece serlo la relación surgida entre los dos protagonistas, Keitel y una espléndida Mira Sorvino. Ambos interpretan magníficamente sus papeles. Aunque el final es previsible, la forma de desarrollar la trama es tan interesante como desconcertante.

La atmósfera y la interpretación de Keitel evocan al Martin Scorsese de sus inicios. Ignoro si Paul Auster es mejor escritor que director ya que sólo he leído uno de sus libros ("Míster Vértigo") y he visto una de sus películas (ésta en concreto). Supongo que es mejor escribiendo debido a que es más conocido en esa faceta.

En resumidas cuentas se trata de un producto que entretiene, que gusta por sus interpretaciones pero que desconcierta en varios momentos. Se puede ver pero, a la vez, se puede no ver. Un 5'5 sobre 10.

"Mi vida como un perro". Como perro te tratan, perro eres.

El director sueco Lasse Hallström ("¿A quién habla Gilbert Grape?", "Las normas de la casa de la sidra", "Chocolat", "La pesca del salmón en Yemen"...) dirigió en 1985 "Mi vida como un perro", quizás la mejor de su carrera, al menos para el que esto escribe. La cinta es sueca y no americana y, además tiene casi 30 años.

Podría decirse que Hallström saltó a la fama mundial con "Las normas de la casa de la sidra" o "Chocolat", pero claro, ahí contaba con capital estadounidense y con actores de renombre como Charlize Theron, Juliette Binoche o Johnny Depp..., pero es en "Mi vida como un perro" donde un chaval llamado Anton Glanzelius interpreta fantásticamente a Ingemar, un niño que ve como su madre va consumiéndose poco a poco a raíz de una enfermedad terminal. Ingemar se abstrae de la realidad pensando en Laika, la perra que mandaron al espacio para que allí muriera. Siente cierta atracción por los perros, tanto que llega a actuar como ellos. Se ve obligado a abandonar su hogar e irse a vivir con unos familiares a un pueblo sueco donde Ingemar parece querer empezar una nueva vida. Lástima que este pequeño actor danés nunca jamás volviera a la interpretación. Ahora es propietario del mayor canal de televisión sueca, TV4.

A pesar de ser un dramón basado en hechos reales, Hallström consigue un perfecto equilibrio con la construcción de unos personajes fuera de convencionalismos y situaciones cómicas que consiguen que al término de la película no tengas un nudo en el estómago sino la satisfacción de haber visto buen cine. Un 7'5 sobre 10.